Née à Rabat en 1997, Hiba Baddou développe une pratique pluridisciplinaire à la croisée de la photographie, du film, de la sculpture et de la fiction spéculative. Son travail interroge les circulations contemporaines des images et des récits, en lien avec les transformations culturelles et sociales induites par les technologies de transmission.

Avec Paraboles : Une Odyssée Hertzienne, l’artiste propose une exploration sensible et critique de l’impact des flux médiatiques sur nos imaginaires et nos manières d’habiter le monde. Point de départ de cette réflexion : l’antenne parabolique, objet familier du paysage urbain marocain depuis les années 1980, devenu ici symbole de réception et de projection vers l’ailleurs.

À travers une série d’œuvres photographiques, sculpturales et filmiques, Hiba Baddou transforme cet objet technique en figure poétique et politique. Les paraboles, parfois fabriquées artisanalement à partir de couscoussiers détournés, témoignent d’une époque où l’accès aux images venues d’ailleurs a profondément redéfini les horizons culturels. Les toits des villes deviennent ainsi des paysages d’antennes, révélateurs d’un monde connecté, traversé par des flux invisibles.

L’exposition se déploie comme un récit immersif structuré autour de plusieurs ensembles. Les photographies documentent ces architectures du signal dans des territoires périphériques, tandis que certaines images mettent en scène des figures humaines coiffées de paraboles, métaphore d’une humanité devenue réceptrice permanente d’images.

Les installations et sculptures prolongent cette réflexion, notamment Cous-mic (Constellation de 101 couscoussiers), qui revisite l’objet domestique en tant que dispositif de captation, ou encore La Parabomobile, un triporteur hérissé de paraboles évoquant une hyperconnexion paradoxale, entre mobilité et saturation d’informations.

Au cœur du projet, Hiba Baddou imagine la République d’Hertz, un univers fictionnel où les identités se construisent à partir des flux médiatiques. Cette cosmogonie contemporaine se matérialise à travers un ensemble de symboles et d’objets : un alphabet hertzien, des parchemins, un passeport et un ouvrage fondateur, 72 MHz (Le Livre sacré), qui inscrit cette fiction dans une dimension quasi mythologique.

Le film Paraboles : La Sacralisation des Images vient compléter cet ensemble en proposant une chorégraphie visuelle où des corps deviennent des antennes vivantes, incarnant une relation au monde profondément médiatisée.

À travers cette œuvre ambitieuse, Hiba Baddou interroge notre rapport aux images, à l’ailleurs et à la mémoire collective. Paraboles : Une Odyssée Hertzienne esquisse ainsi les contours d’une mythologie contemporaine, où les ondes deviennent langage, territoire et récit.

Galerie Delacroix – Institut français à Tanger
Du 12 mai au 12 juin 2026
Vernissage : mardi 12 mai à 19h30 en présence de l’artiste
Entrée libre

A propos de Hiba Baddou

Hiba Baddou (née en 1997 à Rabat) est une artiste pluridisciplinaire dont la pratique s’étend au cinéma, à la photographie, à la peinture, à la performance et à la direction artistique. Ancrée dans la culture marocaine, son œuvre explore les notions d’identité, de rituel et de langage à travers un prisme rétro-futuriste. Diplômée de l’EICAR Paris (meilleure réalisation et meilleure photographie) et de Penninghen (Master en direction artistique, prix du jury présidé par Jean-Charles de Castelbajac), elle a développé un langage visuel singulier mêlant narration et symbolisme.

Son travail a été exposé dans des institutions majeures au Maroc et à l’international, notamment au MACAAL, à la Biennale de Dakar et à Paris Photo. Son projet Paraboles, qui explore le pouvoir des images et les questions de migration, a reçu une reconnaissance internationale, remportant le Art for Change Prize à la Saatchi Gallery ainsi que le prix du meilleur film d’art à l’AVIFF (2024).

En parallèle de sa pratique artistique, elle collabore avec des musiciens tels que David August, Manu Chao, Keziah Jones et Amadou & Mariam, en créant des identités visuelles et des performances. Son travail tisse image, son et geste en des systèmes poétiques qui interrogent notre manière de voir, de nous souvenir et d’appartenir.

Pour la deuxième année consécutive, Gallery Kent participe à JUSTMAD, la foire d’art contemporain de Madrid, qui se tient du 5 au 8 mars 2026 au Palacio de Neptuno. La foire est reconnue pour mettre en avant des galeries engagées auprès de scènes émergentes et des propositions curatoriales à forte identité.

Cette présence renouvelée confirme l’inscription de la galerie dans le circuit des foires européennes et sa volonté d’installer durablement ses artistes dans un contexte international. Au Programme Général, stand V20, la galerie réunit El Hadi Fekrouni, Hajar El Moustaassime et Houda Rahmani.

Trois démarches distinctes, attentives à la construction de l’image et au travail de la matière, traversées par une réflexion sur les transformations sociales et les tensions contemporaines qui parcourent la société marocaine, présentées dans un accrochage clair et cohérent.

El Hadi Fekrouni développe une peinture attentive aux espaces de l’intime et aux scènes du quotidien. Son travail construit une narration à partir de fragments de vie, en accordant une place centrale à la mémoire proche et à la densité émotionnelle des situations ordinaires.

Hajar El Moustaassime explore la figure humaine à travers la notion de relation et la construction du couple. En associant dessin et broderie, elle interroge les liens, les tensions et les formes d’attachement qui traversent les corps. Le fil agit comme un vecteur de connexion, matérialisant la complexité des relations humaines.

Houda Rahmani s’intéresse aux rapports entre structure et maintien. Son travail mobilise une matérialité dense pour interroger l’équilibre, la résistance et la stabilité des formes. Elle développe une écriture plastique qui articule construction, verticalité et fragmentation.

La sélection présentée à Madrid reflète, surtout, le travail mené par Gallery Kent auprès d’une génération d’artistes qu’elle accompagne dans la durée. La galerie suit leurs recherches, les expose régulièrement et les inscrit progressivement dans des contextes internationaux.

Cette participation à JUSTMAD s’inscrit dans cette continuité. Elle permet de présenter, hors du contexte local, des pratiques en affirmation et de contribuer à la visibilité d’une scène marocaine contemporaine de plus en plus structurée et exigeante.

Pour consulter l’article complet de MAKMA via le lien suivant :
https://www.makma.net/gallery-kent-marruecos-justmad-2026/

JUSTMAD 2026
Gallery Kent (Stand V20)
Artistas: El Hadi Fekrouni, Houda Rahmani, Hajar El Moustaassime.
Palacio Neptuno
Cervantes 42, Madrid
Del 5 al 8 de marzo de 2026

Inédit. Exposition sans vernissage à la Gallery Kent intitulée « Par endroits », une exposition réunissant une sélection d’oeuvres issues du fonds de la galerie qui se déroulera du 05 février au 31 mars 2026. Regarder est vraiment devenu un luxe. 13 artistes en piste.

Diverse par nature, cette constellation de pièces compose un parcours ouvert, sans contrainte thématique, où matières, gestes et temporalités coexistent et dialoguent librement.
Le dispositif renonce volontairement au vernissage.
Plutôt qu’un événement inaugural festif, où souvent l’on voit peu les oeuvres, la galerie privilégie une approche intime et progressive, fondée sur le temps du regard et la rencontre.
Des visites guidées sont proposées du mardi au vendredi, certaines accompagnées par les artistes, et prolongées par des conversations informelles avec le public.

Le programme précis est communiqué chaque semaine.

Du mardi au vendredi : visites guidées et conversations, parfois en présence des artistes. Chaque semaine, les artistes qui accompagneront les visites seront annoncés.

Regarder vraiment est devenu un luxe. Nous l’assumons.

Informations pratiques :
Gallery Kent, 19 rue Al Jabha Watanya – 90 000 Tanger
05 février – 31 mars 2026

Exposition présentée sans vernissage
> Pour plus d’informations, Merci de contacter Gallery Kent au +212 766 65 86 43

Quelques oeuvres…

Conçue comme une traversée du monde et du temps, LEGACY n’est pas une simple rétrospective. L’exposition propose une lecture transversale et engagée d’un parcours artistique situé à la croisée de l’art, de la science et de la transmission. Elle s’articule autour de quatre grands axes, qui structurent le parcours et donnent à voir la cohérence d’une œuvre profondément humaniste.

Le premier axe, Kenya, 1979 – Aux origines du regard, revient sur les débuts de Yann Arthus-Bertrand en Afrique, lorsqu’il étudie le comportement des lions dans la réserve du Masaï Mara. Cette expérience fondatrice marque la naissance de son regard de photographe et de son engagement en faveur de la protection du vivant.

Le deuxième axe est consacré au projet emblématique La Terre vue du ciel, initié en 1993. À travers une sélection d’images aériennes devenues iconiques, l’exposition révèle la beauté de la planète autant que sa vulnérabilité. Ce regard porté depuis le ciel permet de saisir l’ampleur des transformations écologiques, géopolitiques et humaines à l’œuvre, ainsi que l’interdépendance des territoires.

Le troisième axe, Les Français (1990–2025), propose un portrait social de la France contemporaine. Depuis plus de trente ans, Yann Arthus-Bertrand photographie des milliers de personnes, anonymes et figures publiques, accompagnées de leurs proches, de leurs collègues ou de leurs animaux. Ce travail, inspiré des grandes enquêtes sociologiques, constitue une mémoire visuelle sensible de la société française.

Le quatrième axe explore le lien ancestral entre l’humain et l’animal à travers la série Bestiaux. Réalisés dans le monde agricole, ces portraits de chevaux, de bovins, d’ovins et de porcins, accompagnés de leurs éleveurs, interrogent les relations de respect, de travail et de dépendance mutuelle qui unissent l’homme et l’animal.

Tout au long du parcours, les photographies sont accompagnées de données fiables provenant d’organisations internationales spécialisées dans l’environnement, la biodiversité et l’agriculture. Ces informations permettent au public de comprendre le contexte des images et les enjeux écologiques et humains qu’elles mettent en lumière.
Au cœur de l’exposition, un manifeste rappelle une conviction essentielle : il existe des solutions, et chacun peut agir. Loin de tout discours culpabilisant, LEGACY défend une vision positive et mobilisatrice de l’engagement, où l’action collective devient une source d’espoir.

A propos de Yann Arthus-Bertrand.

Yann Arthus-Bertrand est photographe, réalisateur et militant écologiste. Depuis plus de cinquante ans, il regarde la Terre pour mieux nous apprendre à la comprendre.

Né à Paris en 1946, il découvre très jeune la photographie. Mais c’est loin des cadres académiques, au contact direct de la nature et des animaux, qu’il forge son regard. En Afrique, au Kenya, il vit plusieurs années au cœur de la savane, étudie les lions et comprend que prendre de la hauteur — au sens propre comme au figuré — est parfois la meilleure façon de voir juste. La photographie aérienne devient alors son langage.

Son travail le conduit à parcourir le monde, à documenter les paysages, les hommes et les équilibres fragiles qui les relient. Avec La Terre vue du ciel, exposée pour la première fois en plein air à Paris, il invente une nouvelle manière de montrer la photographie : accessible à tous, dans l’espace public, comme une invitation à regarder autrement notre planète. L’exposition et le livre touchent des millions de personnes à travers le monde.

Peu à peu, son œuvre devient un outil de transmission. À travers ses films — Home, Human, Woman, Legacy — Yann Arthus-Bertrand donne la parole à celles et ceux qui habitent la Terre, tout en révélant sa beauté et sa vulnérabilité. Son engagement se prolonge avec la création de la Fondation GoodPlanet, dédiée à l’éducation et à l’action en faveur de l’environnement.

Aujourd’hui encore, il poursuit ce dialogue entre art, science et conscience écologique, convaincu que l’émotion est souvent le premier pas vers le changement.
Son travail nous rappelle une chose essentielle : la Terre n’est pas seulement un décor. Elle est vivante, fragile, et profondément liée à nos histoires humaines. Et le rôle de l’artiste, comme celui du témoin, est de nous inviter à en prendre soin.

Informations pratiques
Institut français – Galerie Delacroix
Exposition du 30 janvier au 30 mars 2026
Entrée libre

Exposition Princess « Hamyra » by Mahmoud.
Selon l’adage populaire « derrière tout Grand Homme se cache une Grande Femme », le sort fait aux dames dans le monde animal n’est guère plus enviable que dans celui des humains !
Que ce soit dans la littérature, les arts plastiques ou le cinéma, l’âne a presque toujours volé la vedette à madame l’ânesse, qui s’en est tenue à l’ombre et la discrétion, à quelques exceptions près (l’ânesse Modestine chez Stevenson ou l’ânesse Balaam des textes religieux par exemple).

Si l’ânesse n’est pas complètement invisibilisée, elle est restée au deuxième plan de notre histoire commune, une histoire vieille de 7.000 ans.

Partant de cette injustice « historique », Mahmoud Benslimane, designer de mode et artiste tangérois, présentera à partir du 13 décembre au Donkey Museum à Tanger, une série de portraits d’ânesses célèbres et célébrées.

Avec ses aquarelles et ses créations originales alliant art plastique et textile, Mahmoud tente avec jovialité et malice d’inverser cette absence en revisitant des icônes de la féminité, qui incarnent la force, la combativité, le talent, l’impertinence… et le glamour aussi !

Vernissage le 13 décembre à 16H au « Donkey museum of Tangier », 49, rue de la kasbah.

TRENTE ANS DE CRÉATION, ENTRE MÉMOIRE ET AVENIR

En 2025, Hicham Lahlou célèbre trente années d’un parcours international exceptionnel dans le design et l’architecture d’intérieur. Depuis 1995, il s’impose comme une figure pionnière du design, un ambassadeur reconnu à l’international, un défricheur out of the box dont l’audace et la créativité ont contribué à redéfinir les contours du design marocain, africain et arabe à l’international.

À l’été 2025, son parcours est mis à l’honneur par le prestigieux magazine Wallpaper, qui lui consacre un article et une interview saluant son impact et sa vision.

Son œuvre s’écrit comme une constellation : chaque projet, chaque objet, chaque rencontre trace une étoile dans un univers en constante expansion, où se mêlent identité, mémoire et modernité.

Le symbole graphique de cette exposition s’inspire directement du patrimoine : la feuille de trèfle, que Hicham Lahlou réinterprète et transforme en une étoile lumineuse, ancrant ainsi son travail dans un héritage culturel tout en ouvrant des perspectives vers l’avenir. À ses côtés, le X incarne la collaboration, le croisement des talents et des idées — des valeurs fondamentales pour nourrir la créativité et faire rayonner le design.

Constellations – Retour vers le futur est à la fois un clin d’œil au parcours et une projection vers demain : un voyage à travers trente ans de design où le passé éclaire le présent et inspire le futur.

Présentée à Tanger, l’exposition invite à découvrir le travail de Hicham Lahlou, ainsi que celui de trois jeunes artistes designers marocains qu’il a choisis d’inviter : Selma Lazrak, Amine Asselman et Hasnae Lahlou, symboles de la transmission et de la vitalité créative des nouvelles générations.

LE MAROC COMME MATRICE CRÉATIVE

Par Sanaa El Younsi, commissaire de l’exposition

Figure majeure du design contemporain, Hicham Lahlou s’impose depuis trois décennies comme l’un des pionniers du design en Afrique et dans le monde arabe. Designer international et architecte reconnu mondialement, il a contribué de manière décisive à faire émerger le design au Maroc, inscrivant son pays dans la cartographie internationale de la création.

Son œuvre constitue un jalon essentiel dans l’histoire culturelle marocaine : elle incarne à la fois la mémoire des savoir-faire ancestraux et leur projection dans une modernité universelle. Puisant dans l’immense patrimoine des gestes, des matières et des motifs, Hicham Lahlou élabore un langage singulier qui dépasse l’objet fonctionnel pour atteindre le statut de forme porteuse de sens, de récit et de mémoire collective.

L’importance de son parcours réside non seulement dans la force de ses créations, mais aussi dans sa capacité à ouvrir des voies nouvelles, à bâtir des ponts entre tradition et innovation, entre local et global. Visionnaire, il a fait du Maroc une matrice créative, un terreau fertile où le design dialogue avec l’histoire, l’art et l’artisanat.

Engagé dans la transmission et le partage, Hicham Lahlou n’a cessé de soutenir les générations montantes, invitant de jeunes artistes et créateurs à prendre part à ce mouvement. En donnant une visibilité à des talents comme Selma Lazrak et Amine Asselman, il affirme que le design est aussi un espace d’ouverture, de rencontre et d’avenir.

En célébrant ses trente ans de carrière, son œuvre se présente aujourd’hui comme une interrogation fondamentale : qu’est-ce que le design ? Est-il un simple art appliqué au service de l’usage, ou bien une démarche artistique totale, où la fonction s’efface pour laisser émerger l’émotion et l’imaginaire ?

Dans cette tension féconde entre héritage et contemporanéité, Hicham Lahlou a construit une œuvre manifeste, où la matière devient langage, où la forme se fait écriture, et où le Maroc s’affirme comme un acteur incontournable de la scène créative internationale.

A propos de Hicham Lahlou

Un parcours enraciné et visionnaire. Depuis plus de trente ans, Hicham Lahlou s’engage dans un design enraciné, visionnaire et porteur de sens.Son parcours, dialoguant constamment entre le Maroc, l’Afrique et les grandes scènes internationales, s’est construit autour d’un design industriel, artistique, culturel et institutionnel, toujours au service de récits puissants, d’identités affirmées et de liens interculturels.

Parmi les œuvres majeures de cette rétrospective figure Constellation, une création réalisée à quatre mains avec Cheick Diallo et éditée par DAUM en exclusivité pour le Groupe Chalhoub au Moyen-Orient. Cette pièce exceptionnelle sera présentée pour la première fois au Maroc à l’occasion de cette rétrospective.

TRANSMISSION ET NOUVELLE GÉNÉRATION

Fidèle à son esprit de transmission, Hicham Lahlou a invité trois artistes et designers marocains qu’il considère comme emblématiques de la nouvelle scène créative: Selma Lazrak, Amine Asselman, Hasnae Lahlou.

A propos de Selma Lazrak

Selma Lazrak est une architecte et designer d’objet marocaine installée à Munich. Formée en France, où elle obtient un master en architecture et design durable, elle a d’abord exercé comme cheffe de projet dans plusieurs agences internationales. En 2020, elle fonde son studio, un espace de recherche et de création où se rencontrent architecture, design mobilier et savoir-faire artisanal.

Son travail explore les relations entre matière, territoire et héritage marocain, dans une approche qui allie sens, culture et contemporanéité. Ses créations artisanales et expérimentales, réalisées avec des matériaux nobles, lui ont valu une reconnaissance internationale, notamment Designer de l’année aux Africa Design Awards 2023, une nomination au Prix du design 2024 de l’IMA et sa présence dans le classement Top 50 Women 2025 de Forbes Afrique.

Membre de la World Design Organisation, elle intervient régulièrement dans des conférences en Afrique et au Maroc, et est représentée par la Galerie Philia (New York, Genève, Singapour, Mexico).

A propos de Amine Asselman

Amine Asselman, né en 1989 à Toulouse, est un artiste marocain et docteur en art contemporain. Initialement attiré par les sciences, il a étudié l’architecture avant de se tourner vers sa passion pour l’art et le design à l’Institut National des Beaux-Arts de Tétouan.

Après son diplôme, il a obtenu un master et un doctorat en art contemporain à l’Université de Vigo, où il a exploré le lien entre la science et l’art, influencé par des artistes comme M.C. Escher, Sol Lewitt ou Antoni Gaudi. Ses recherches ont porté sur la géométrie du zellige.

Amine Asselman a participé à de nombreuses expositions et vit aujourd’hui à Tétouan, où il dirige son atelier de céramique.

A propos de Hasnae Lahlou

Hasnae Lahlou est artiste peintre franco-marocaine et juriste de formation. Après des études en droit international à l’Université de Toulouse, elle entame une carrière dans le monde de l’entreprise avant de s’orienter vers la peinture, qu’elle pratique depuis une dizaine d’années.

Autodidacte, elle a façonné un univers singulier, vibrant et poétique, où la couleur occupe une place centrale. Son travail explore les émotions, la mémoire et la sensibilité. Chaque toile est un hommage à la vie, exprimé à travers un langage pictural instinctif et profondément humain.

En 2026, elle fera une entrée remarquée sur la scène artistique nationale : invitée par son frère, Hicham Lahlou, elle réalisera pour la première fois une œuvre de grande dimension à l’occasion de la célébration des trente ans de carrière de ce dernier. Elle présentera ensuite sa première exposition individuelle au printemps 2026.

LE DESIGN COMME LANGAGE UNIVERSEL

À travers Constellations – Retour vers le futur, Hicham Lahlou explore la diversité des formes, des matériaux et des idées qui traversent son œuvre, interrogeant le design comme un langage universel, capable de relier les cultures et de penser le futur.

Infos Pratiques…

– Titre : Constellations – Retour vers le futur by Hicham Lahlou – 30 ans de design 1995 – 2025

– Artiste principal : Hicham Lahlou

– Artistes invités : Selma Lazrak, Amine Asselman, Hasnae Lahlou

– Commissariat : Sanaa El Younsi

– Lieu : Galerie Delacroix, 86 rue de la Liberté, Tanger

– Dates : Du 31 octobre au 31 décembre 2025

– Vernissage : Vendredi 31 octobre 2025 à 19h30, en présence des artistes

La galerie Kent organise une exposition en hommage à Henri Matisse, sur trois journées du 16 au 18 octobre, «Matisse, Ici & Maintenant», une présentation de livre et une projection de film documentaire. Entre mémoire et inspiration, la couleur et le motif prennent les rênes de la création marocaine contemporaine.

La Galerie Kent organise sa nouvelle exposition, intitulée « Compass Point » avec trois artistes: Stephenie Bergman, Johnny Rozsa et Sarah Guppy. Une invitation à se déplacer lentement, à s’arrêter sans hiérarchie, et à écouter les textures et les silences entre les oeuvres. Cette exposition est un rassemblement nomade, un espace de réflexion, de beauté et des multiples sens de l’appartenance. Du 10 juillet 2025 au 10 septembre 2025.

Au croisement des chemins, des cultures et des gestes créatifs, « Compass Point » réunit trois artistes: Stephenie Bergman, Johnny Rozsa et Sarah Guppy, dont les vies et les pratiques ont suivi des trajectoires singulières à travers les continents.

Chacun arrive à Tanger, ville historiquement ouverte à l’ailleurs, pour partager une vision profondément marquée par le lieu, la mémoire et la transformation.

Le titre évoque à la fois direction et orientation : un point cardinal n’est pas une destination, mais une référence — un repère dans le paysage à partir duquel on commence ou poursuit un voyage. De même, cette exposition ne vise pas une convergence de styles ou de thèmes, mais fait surgir des résonances subtiles lorsque des voix radicalement différentes se côtoient en silence.

Dans la galerie, l’espace devient lui-même une boussole, doucement divisé en zones qui reflètent les univers visuels et matériels de chaque artiste — non comme des chambres isolées, mais comme des stations mouvantes d’un salon nomade. En son centre symbolique : la tente caïdale — une structure traditionnelle marocaine utilisée pour les rassemblements, les rituels et l’hospitalité. Ici, réimaginée comme métaphore, la tente devient un site de rencontre temporaire — intime, ouvert et vibrant de différences.

Dans la section de Johnny Rozsa, il est question de mouvement et d’abri ancestral. Ses portraits lumineux, dessinés à la main, évoquent des figures venues de géographies diasporiques — témoins, errants et gardiens de la mémoire.

Chez Sarah Guppy, les murs se teintent d’un bleu céleste doux, en écho au ciel marocain et à la clarté spirituelle de son oeuvre. Ses peintures offrent des instants de recueillement — animaux, jardins, regards sacrés suspendus dans le temps.

Dans l’espace de Stephenie Bergman, les tons de terre et d’adobe rappellent les murs d’argile de son atelier à Taroudant. Ses objets sculpturaux — outils, tabourets et récipients réinventés — ne sont ni décoratifs ni fonctionnels, mais silencieusement essentiels, comme des traces de gestes conservés dans le temps.

Ensemble, ces artistes dessinent une forme de cartographie de la présence : chacun ancré dans une origine différente, mais temporairement alignés sous un même toit, un même horizon.

« Compass Point » invite le visiteur à se déplacer lentement, à s’arrêter sans hiérarchie, et à écouter les textures et les silences entre les oeuvres.

Ce n’est pas une exposition figée, mais un rassemblement nomade — un espace de réflexion, de beauté, et des multiples sens de l’appartenance.

A propos des artistes: Sarah Guppy, Johnny Rozsa et Stephenie Bergman.

Sarah Guppy. Peintre, doreuse, et témoin attentive des lieux.

Née à Auckland, en Nouvelle-Zélande, en 1957, Sarah Guppy a développé depuis plus de quarante ans une pratique artistique discrètement rayonnante — mêlant peinture, dorure, voyage et réflexion spirituelle. Formée au design graphique et aux beaux-arts à Auckland puis à Londres, elle a étudié auprès de la célèbre peintre Maggi Hambling et s’est perfectionnée dans des ateliers traditionnels de dorure à Chelsea, cultivant une profonde sensibilité au geste artisanal et à la surface.
Sarah Guppy a exposé dans de nombreux lieux en Nouvelle-Zélande, au Royaume-Uni et aux États-Unis. Elle a reçu le Michael Evans Award lors des Walker & Hall Art Awards, et collaboré avec des artistes tels que Brett Graham et Lauren Drescher. Sa pratique est une forme d’écoute : de la matière, du lieu, du lent déploiement de l’histoire. Selon ses propres mots : « Le travail de l’artiste consiste souvent à choisir ce qu’il faut inclure, et ce qu’il faut laisser de côté ».

Johnny Rozsa. Photographe, portraitiste et peintre de vérités invisibles.

Johnny Rozsa est un photographe et aquarelliste basé à New York, dont le travail établit un pont entre les mondes de la mode, de la célébrité, de l’identité et, plus récemment, de l’introspection silencieuse à travers le dessin.
Né à Nairobi de parents d’origine hongroise et tchèque, Rozsa a grandi entre plusieurs continents — d’abord au Kenya, puis en Angleterre, où il a étudié l’architecture, la peinture et la communication au Manchester College of Art and Design, avant de poursuivre sa formation à la Polytechnic of Central London.
Sa carrière débute dans l’univers foisonnant de la mode vintage et de la photographie éditoriale. Après un stage d’été au Vogue britannique pendant ses études, et la gestion de la célèbre boutique Nostalgia à Covent Garden, il s’impose comme l’un des photographes de mode et de portraits les plus singuliers des années 1980 et 1990. Son objectif a immortalisé les visages encore peu connus de nombreuses figures devenues célèbres, telles que Halle Berry, John Malkovich, Boy George, Hugh Grant, Sade ou encore Leigh Bowery. Son travail a été publié dans Vogue, i-D, The Face, The Sunday Times et fait partie de la collection permanente de la National Portrait Gallery à Londres.

Stephenie Bergman. Artiste de la forme, du geste et de l’objet réinventé.

Stephenie Bergman est une artiste d’origine britannique dont la pratique s’étend sur plus de cinq décennies, traversant avec élégance les domaines de la peinture, de la sculpture, du design et de l’expérimentation matérielle. Aujourd’hui, depuis son atelier en briques de terre crue situé en périphérie de Taroudant, au Maroc, elle crée des formes sculpturales à la fois familières et étranges — des objets domestiques réinventés comme de silencieux monuments.
Née à Londres en 1946, Bergman a étudié la peinture à la légendaire St. Martin’s School of Art (1963–1967), avant de se tourner vers des toiles cousues et une abstraction fondée sur le textile dans les années 1970 et 1980. De 1968 à 1980, elle enseigne dans plusieurs institutions artistiques majeures, dont le Goldsmiths College et le Royal College of Art. Ses premières oeuvres — découpées, cousues, et assemblées en collages — brouillent les frontières entre peinture et artisanat, préfigurant son intérêt durable pour l’hybridité et la matérialité.
Elle reçoit en 1975 le prix Calouste Gulbenkian et, en 1987, le Crafts Council Prize, deux reconnaissances majeures de sa position unique entre art plastique et pratique appliquée.
Son travail a été largement exposé lors d’expositions personnelles, notamment au New Arts Centre (Royaume-Uni), à la Marsden Woo Gallery (Londres), à la Crafts Council Gallery, à la Galerie Nigel Greenwood, au Foyer de la Cité Radieuse (Marseille), et à Kettle’s Yard (Cambridge).
Ses sculptures font partie de plusieurs collections publiques et privées, dont la Tate Modern et le Shigaraki Ceramic Cultural Park au Japon.

Dernière  minute, mise en place de « Compass-Point »…

Informations pratiques :
Gallery Kent, 19, Rue Jabha Wataniya – 90 000 Tanger
Vernissage : Le Jeudi 10 juillet 2025 à 19h00
Pour plus d’informations, merci de contacter Gallery Kent au +212 5 31 96 34 31

Carla Querejeta Roca revient toujours à Tanger sa ville de coeur et d’enfance où elle a tissé des liens forts depuis son plus jeune âge avec ses grands parents qui vivaient dans la Cité du Détroit. Elle y venait tous les étés de Madrid. Et cet été, elle revient à la Galerie Cervantés pour sa nouvelle exposition intitulée : « Volver siempre » composée d’une trentaine de peintures qui se déroulera du 9 juillet au 7 septembre 2025.

Carla nous raconte ce nouvel épisode à Tanger…

Juin  fut le départ de mes œuvres pour ma prochaine grande exposition à Tanger.

Ce sera un super événement avec l’Institut Cervantes !

L’exposition réunit une sélection d’œuvres de différentes séries faites depuis que j’ai quitté Tanger il y a dix ans:  SriLanka, la Garonne, Massa et retour à Tanger.

On l’a appelée « Volver siempre ». Le titre fait écho à un texte que j’ai écrit il y a quelques années pour la revue Sures, sur Tanger, ma vie et ma peinture.

La plupart d’entre vous le sait déjà, mais pour ceux qui me connaissent moins personnellement, je vous raconte.

Née en Espagne, je viens d’une famille espagnole de Tanger. L’été, on traversait l’Espagne, comme les marocains, dans notre voiture pleine d’enfants, les bagages sur le toit, pour passer les vacances à Tanger, comme celui qui rentre à la maison.

Déjà enfant, je me disais : un jour je resterai. Et alors, adulte, je me suis installée à Tanger où j’ai vécu 4 ans : j’étais la quatrième génération de ma famille à vivre à Tanger, à aimer cette ville qui est ma patrie de cœur.

Tanger est mon lieu de retour éternel. Quoi qu’il arrive, je reviens toujours, je reviendrai toujours.

Vernissage le 9 juillet  à 19h30 !

Galeria Cervantes
9, rue de Belgique
Tanger

Quelques oeuvres de Carla Querejeta Roca à découvrir lors de cette exposition chez Cervantes Tanger :

Selon Éric Poitevin, « nous sommes habitués à voir la représentation des gens plutôt que celle des “choses”.
C’est la raison du choix du thème de la Nature Morte pour la nouvelle exposition à la Fondation pour la photographie de Tanger.
A l’occasion de l’exposition “Les Choses”, une histoire de la Nature-Morte, qui s’est déroulée au Louvre en 2022, on pouvait lire : “Si l’on a communément nommé “Nature – Morte” leurs représentations, nous verrons que les choses sont avant tout vivantes, nous agissons sur elles, elles agissent sur nous ».
Les Artistes, peintres, et photographes ont été les premiers à ”prendre les choses au sérieux”. Dans le quotidien qui nous émeut bêtement mais si puissamment “tout est si simple, si ordinaire, mais si beau…”. Tout au long de ce parcours photographique de grands photographes d’hier et d’aujourd’hui vont chacun avec son point de vue, nous faire découvrir et interpréter la beauté discrète du monde ordinaire.

Daniel Aron, Président de la Fondation et Co-commissaire de l’exposition

Le bâtiment qui abrite la Fondation pour la photographie de Tanger, chaulé de blanc, mêlant sous la fraîcheur des grands pins angles vifs et sinuosités modernistes, n’est pas étranger au charme des expositions qui s’y succèdent, depuis sa création, en 2018. Les maîtres des lieux, Françoise et Daniel, ont pensé, à juste titre me semble-t-il, qu’une exposition portant sur la façon dont les choses se disposent ou sont disposées, au quotidien, s’y trouverait particulièrement à son aise… Je me suis employé à en dessiner les contours, sans autre discipline que le goût pour les images et l’admiration pour leurs auteurs, augmentée parfois par l’amitié, et une certaine inclination pour les cultures vernaculaires, dont les subtils portraits d’intérieur de Daniel Aron, que je suis particulièrement heureux d’accueillir, si je puis dire chez lui – rendent hommage, sur lesquelles elles incitent à s’arrêter, un instant.
Alexis Fabry Commissaire de l’exposition, directeur artistique adjoint de la Maison Hermès

L’interview de Comment voir les choses ? avec Daniel Aron, Alexis Fabry et Françoise Aron >

Quelques oeuvres à découvrir lors de cette exposition…

À travers d’une cinquantaine d’œuvres de photographes majeurs — Martin Parr, Thomas Ruff, Éric Poitevin, Hicham Benohoud, Hicham Gardaf, Jan Groover, Man Ray — cette exposition offre un voyage visuel à la rencontre du quotidien, de l’ordinaire, du simple… et du beau.
Un catalogue sera disponible à partir du 10 juillet sur commande. Le prix sera communiqué ultérieurement.

Informations pratiques

La Fondation pour la photographie. Tanger
235 Route Sidi Masmoudi ( la Vieille Montagne) 90400 Tanger Maroc
Entrée : Plein tarif : 100 Dhs
Citoyens Marocains et résidents : 50 Dhs
Gratuit pour les enfants de moins de 12 ans et les étudiants sur présentation de leur carte d’étudiant.
Ouverture tous les jours, sauf Lundi de 10h30 à 18h30.

Contact: Souleiman Berrada – Secrétaire de la Fondation pour la photographie
Berrada-fondationpourlaphotographie@hotmail.com
+212 6 20 52 94 38

A propos de La Fondation pour la photographie de Tanger.

La Fondation pour la photographie. Tanger, est le premier lieu privé à promouvoir la photographie au Maroc. Créée en 2018 par Françoise et Daniel Aron. Elle est constituée de six salles d’exposition réparties sur deux niveaux, d’un patio et d’une bibliothèque consacrée aux arts visuels, elle a pour mission de rassembler tous ceux qui ont un intérêt pour la photographie, au Maroc ou à l’étranger, et souhaitent en soutenir la promotion.

La Fondation expose une collection permanente et organise des expositions temporaires.

Elle est également un lieu privilégié pour des rencontres entre artistes, public et professionnels de la photographie.

La collection permanente présente à ce jour des oeuvres de :
Aassmaa Akhannouch, Paul Almasy, Paul Burty-Haviland, Daoud Aoulad Syad, Atelier Ndokette, Antanas Sutkus, Richard Avedon, Zakaria Aït Wakrim, Dmitri Baltermants, Lillian Bassman, Cecil Beaton, Jean Besancenot, Edouard Boubat, Pierre Boulat, Eric Bouvet, Brassaï, Toni Catany, Céline Croze, Rimantas Dichavičius, Nadia Ferroukhi, Flore, Hicham Gardaf, Harry Gruyaert, Irène Jonas, Evgueni Khaldeï, M’hammed Kilito, Seif Kousmate, Saul Leiter, Donation de Philippe Lorin, Man Ray, Mehdy Mariouch, Harry Meerson, Youssef Nabil, Rachid Ouettassi, Ludovico Wolfgang Hart, Horst P. Horst, Georges Pierre, Marc Riboud, Jan Saudek, Fatima Zohra Serri, Hans Silvester, Stora, Antanas Sutkus, Donation Jean Luc Thouvenel, Céline Villegas.