L’Ambassade du Pérou au Maroc, en collaboration avec l’Institut Cervantès de Tanger, présente l’exposition photographique « Portraits du Pérou et du Maroc », une œuvre de l’artiste visuel Nicola Moreno Susniar qui propose une rencontre entre les deux pays à travers la photographie du 5 au 30 novembre 2026 à la Galerie Cervantès.

L’exposition offre un parcours visuel à travers la vie quotidienne et la diversité culturelle du Pérou et du Maroc. À travers son objectif, Moreno dépeint la vitalité des rues de Rabat, Tanger et M’diq, fruit d’une année d’exploration au Maroc. Ces images dialoguent avec des photographies qui, pendant plus d’une décennie, ont capturé les paysages humains et la richesse culturelle de villes péruviennes telles que Lima, Arequipa et Moquegua.

Chaque photographie invite à découvrir les histoires qui se cachent dans le quotidien et à reconnaître les liens qui rapprochent les deux sociétés. « Portraits du Pérou et du Maroc » propose ainsi un regard sur les similitudes et les particularités des deux pays, tout en soulignant le rôle de la photographie comme moyen de rencontre et de dialogue interculturel.

Le vernissage de l’exposition aura lieu le 5 novembre 2026, à 18h00, à la Galerie Cervantès de Tanger et sera suivi d’un cocktail de bienvenue au Pisco accompagné d’une dégustation de bouchées péruviennes.

L’exposition restera ouverte au public jusqu’au 30 novembre 2026.

Chaque année, ils ont décidé d’ouvrir les portes d’un patrimoine caché, interdits au public. C’est le défi de bénévoles Tangérois qui ont créé l’événement « Être ici » en invitant gratuitement le public à découvrir des lieux et des artistes… le temps d’une journée.

À Tanger, le parcours artistique « Être ici » investit des lieux emblématiques, parfois habituellement fermés au public, pour faire découvrir la richesse de la création contemporaine marocaine. Installations, photographies, vidéos et performances offrent une rencontre originale entre les artistes, le patrimoine et les visiteurs.

Sujet réalisé par Maud Minauve

A propos de Nouzha Bennani

Nouzha Bennani est une artiste plasticienne marocaine néee en 1955 dont le travail se nourrit de ses pérégrinations à travers le monde. Après une carrière initiale dans l’enseignement des mathématiques, elle opte en 2000 pour une immersion totale dans la création, consolidée par un passage formateur aux Beaux-Arts de Paris.

Sa pratique se distingue par une maîtrise de la technique mixte et une grande liberté d’expérimentation sur toile, bois ou papier. Elle y fusionne l’acrylique avec des éléments collectés lors de ses séjours à l’étranger : fragments de presse internationale, jute, tissus ou broderies au fil d’or. Ces matériaux deviennent des sédiments de mémoire, ancrant ses œuvres dans une réalité globale et multiculturelle.

À travers ces compositions hybrides, elle fait émerger des silhouettes fluides évoquant le brassage des identités et des cultures. En intégrant des souvenirs de villes comme Londres ou Tokyo, elle partage un message d’ouverture où le mouvement devient le symbole même de l’existence. Pour l’artiste, chaque œuvre est un espace de rencontre dynamique, célébrant la diversité de la vie.

Galerie Mohamed Drissi
52, rue d’Angleterre
Tanger

Cette exposition réunit un ensemble d’oeuvres principalement réalisées en 2026 et plusieurs tableaux datant de 1984 à 1993. Cette confrontation permet de suivre, sur plus de quatre décennies, la permanence de certains motifs et les transformations de sa peinture.
Né en 1961 à Tétouan, Mohamed Jaamati développe sa pratique artistique depuis la fin des années 1970. Peinture, dessin, aquarelle et techniques mixtes composent un travail dans lequel l’architecture, la couleur et la matière occupent une place centrale. La ville du Nord constitue le principal territoire de l’exposition. Ses maisons, ses ruelles, ses terrasses et ses façades apparaissent par fragments.
Une porte, une fenêtre, un balcon ou quelques lignes de toit suffisent à faire surgir un lieu. Le titre « A travers la fenêtre » renvoie à cette manière de saisir la ville par fragments, à partir de ses ouvertures et de ses lignes architecturales.
Chez Mohamed Jaamati, l’architecture fournit souvent les premiers repères du tableau. Le dessin en fixe certains contours, avant que la couleur, les coulures et les reprises de matière ne viennent déplacer les formes. Une façade peut rester reconnaissable tout en se défaisant dans la peinture. Un vélo se mêle aux lignes d’un mur, tandis qu’une porte ou un balcon organise la composition sans en imposer une lecture unique. Les grandes toiles consacrées aux toits et aux façades de Tétouan donnent à la ville une présence immédiate. D’autres oeuvres ouvrent le regard sur un port, des barques ou des paysages. Miami, Marrakech et Cádiz apparaissent également dans ce parcours. Ces déplacements géographiques prolongent une même recherche sur les volumes, la lumière, les passages et la transformation de l’espace par la couleur.

Les aquarelles proposent une approche plus dépouillée. Quelques lignes, une arche ou des zones colorées font apparaître une rue ou un bâtiment. Le papier laissé visible participe à la construction de l’image et ménage des respirations au sein de la composition.
La présence d’oeuvres anciennes donne à l’exposition sa profondeur historique. Porte verte, réalisée à Tétouan en 1984, Paysage au Nord de 1986, Portes de 1989 et Toits de Cádiz de 1993 montrent que les architectures, les ouvertures et les paysages appartiennent depuis longtemps au vocabulaire de l’artiste. Dans les oeuvres récentes, le geste devient plus apparent, les traits de fusain traversent les couches peintes et les coulures restent visibles. Les motifs demeurent, tandis que leur traitement gagne en liberté.

Peintre, dessinateur, graveur et aquarelliste, Mohamed Jaamati a mené parallèlement une longue carrière dans l’enseignement artistique. Professeur, puis inspecteur de l’éducation plastique, il a également été professeur visiteur et membre du jury de l’Institut national des beaux-arts de Tétouan. Il a exposé au Maroc et à l’étranger, notamment en Espagne, en Italie et sur le continent américain. En 2026, il participe à « Moroccan Visions » au Coral Gables Museum, en Floride. Son travail figure dans plusieurs collections publiques et privées. Il vit et travaille à Tétouan.
L’exposition bénéficie du soutien du ministère de la Jeunesse, de la Culture et de la Communication, secteur de la Culture. La scénographie est réalisée par Itaf Benjelloun.

A propos de Mohamed Jaamati.

Né en 1961 à Tétouan, Mohamed Jaamati est peintre, dessinateur, graveur et aquarelliste. Formé aux arts appliqués et aux arts plastiques, il développe sa pratique artistique depuis la fin des années 1970, parallèlement à une longue carrière dans l’enseignement artistique. Professeur, puis inspecteur de l’éducation plastique, il a également été professeur visiteur et membre du jury de l’Institut national des beaux-arts de Tétouan.
Son oeuvre s’est déployée entre peinture, aquarelle, dessin et techniques mixtes. Paysages, architectures, édifices religieux, espaces urbains et scènes observées constituent une part importante de son vocabulaire, dans une peinture où la lumière, la matière et la construction de l’espace occupent une place centrale. Le dessin constitue un autre versant de son travail, notamment à travers la caricature, qu’il pratique comme une forme d’observation du monde social et politique.
Présent sur la scène artistique depuis près de cinq décennies, Mohamed Jaamati a exposé au Maroc comme à l’étranger, notamment en Espagne, en Italie et sur le continent américain. Son travail figure dans plusieurs collections publiques et privées. En 2026, il participe à Moroccan Visions au Coral Gables Museum, en Floride, aux côtés de Souad Byad, Mostafa Naffi et Hanae Elhjaji. Il vit et travaille à Tétouan, ville demeurée l’un des principaux ancrages de son parcours.

INFORMATIONS PRATIQUES
Exposition « À TRAVERS LA FENÊTRE »
Mohamed Jaamati
Lieu : Gallery Kent, 19 rue Al Jabha Al Watanya, 90 000 Tanger
Dates : Du 9 octobre au 9 novembre 2026
Vernissage : le 9 octobre 2026 à 19h00
Web : www.gallerykent.com
Instagram : @gallerykent
Email : gallerykent19@gmail.com
Pour plus d’informations, merci de contacter Gallery Kent au +212 766 65 86 43

La galerie Delacroix organise du 17 septembre au 17 octobre 2026 une exposition intitulée « ÉTAT(S) DE PASSAGE » sous le curation de Achraf Remok avec 13 artistes contemporains. Il s’agit d’une production Institut Français du Maroc, dans le cadre de J-Lioum 2025-2026 avec les partenaires: Institut Français du Maroc, Centre d’art Moderne de Tétouan, INBA, Ministère de la Jeunesse, de la Culture et de la Communication, IZZA et la Fondation AL MADA.

L’exposition « État(s) de passage » réunit treize artistes nés entre 1985 et 2000 dont les pratiques questionnent les nouvelles formes de création liées à la mobilité transnationale. Imaginée par le commissaire Achraf Remok et portée par l’Institut Français du Maroc dans le cadre de sa saison culturelle 25-26 “J-Lioum Ici et maintenant”, État(s) de passage explore ainsi la manière dont une génération navigue entre territoires, disciplines et identités mouvantes.

Ni totalement d’ici, ni totalement d’ailleurs, ces artistes incarnent ce que Deleuze et Guattari nomment la « déterritorialisation » : un processus de création qui échappe aux logiques d’appartenance fixes. Leurs trajectoires dessinent une cartographie inédite où Rabat, Casablanca, Tétouan, Marrakech, Paris, Bruxelles, Marseille et Zurich deviennent des lieux d’expérimentation plutôt que des origines déterminantes.

L’exposition rassemble des pratiques multiples – cinéma expérimental, photographie documentaire, arts numériques, installation, peinture, broderie etc. – qui témoignent d’une porosité disciplinaire caractéristique de cette génération. Des parcours institutionnels d’excellence (Royal College of Art Londres, La Cambre Bruxelles, Art Institute Chicago, Villa Arson Nice, Beaux-Arts de Paris, Penninghen) côtoient des formations autodidactes, révélant comment se construisent aujourd’hui les légitimités artistiques en dehors des cadres traditionnels.

Les géographies créatives se dessinent différemment pour chacun : certains artistes, formés entre plusieurs villes européennes, ancrent leur pratique au Maroc ; d’autres développent leur travail simultanément en France, en Suisse et au Maroc ; d’autres encore choisissent Massa, Jerada ou Tétouan comme territoires de création, dessinant de nouvelles centralités hors des métropoles attendues.

État(s) de passage ne propose pas une identité collective mais observe les passages eux-mêmes : comment circulent les formes, comment se négocient les appartenances, comment se réinventent les modalités de création dans un contexte post-globalisé. Cette exposition témoigne d’une génération qui refuse les assignations identitaires tout en assumant la complexité de ses héritages multiples.

A propos des 13 artistes de l’exposition « ÉTATS DE PASSAGE »:

– AMINA AZREG : Maroc, 1994. Vit et travaille à Casablanca. Design, mode, arts appliqués. Casa Moda Academy.

– HANANE EL FARISSI : Maroc, 1990. Vit et travaille entre Bruxelles et Rabat. Arts visuels contemporains. INBA. La Cambre (Bruxelles). Le Hisk (Gand).

– HIBA BADDOU : Maroc, 1997. Vit et travaille entre Paris et Rabat. Cinéaste expérimentale. EICAR Paris. Penninghen – Paris. Lauréate du Prix Art for Change, Saatchi Gallery, 2024.

– HIND MOUMOU : Maroc, 1995. Vit et travaille à Rabat. Photographie, cinéma. Autodidacte.

– JOSÉPHINE VALLÉ FRANCESCHI : France, 1989. Vit et travaille à Paris. Photographie. Lettres modernes, production cinéma. Sorbonne.

– KAMIL BOUZOUBAA-GRIVEL : France et Maroc, 1992. Vit et travaille entre la France et le Maroc. Design graphique, typographie. Beaux-Arts de Paris. Arts Décoratifs de Paris.

– MAÏSSANE ALIBRAHIMI : France et Maroc, 1999. Vit et travaille entre Paris et Rabat. Arts visuels contemporains. Villa Arson, Nice.

– MARGAUX DERHY : France, 1985. Vit et travaille entre Paris et Massa. Peinture, art et science. Royal College of Art, Londres. Central Saint Martins, Londres.

– RIDA TABIT : Maroc, 1996. Vit et travaille à Marrakech. Photographie documentaire. Autodidacte.

– SABRINE LAHRACH : Maroc, 1996. Vit et travaille à Tétouan. Artiste plasticienne. INBA, Tétouan.

– SAMY SNOUSSI : France et Maroc, 1993. Vit et travaille à Casablanca. Pratiques urbaines, design. Histoire de l’art eT design urbain. Montréal.

– YASMINE HADNI : Maroc, 1992. Vit et travaille à Casablanca. Artiste plasticienne. Ateliers de Sèvres, Paris. Villa Arson, Nice. Art Institute of Chicago.

– ZINEB MEZZOUR : Suisse et Maroc, 1996. Vit et travaille entre Marseille et Zurich. Recherche artistique, installation. Ingénieure de recherche. Autodidacte en art.

 

Galerie Delacroix
86 Rue de la Liberté, Tanger
Tel.: 05 39 93 21 34
Jours / horaires d’ouverture : du mardi au dimanche, 10:00 – 13:00, 14:30 – 19:30

Le travail de Mohamed Lekleti impressionne par sa dextérité graphique, sa maîtrise sensible de la peinture, sa capacité à occuper l’espace ou par son usage de l’objet : oiseaux empaillés (en référence au Cantique des oiseaux de Farîd-ud-Dîn ‘Attâr), titres de propriété ancestraux du Maroc gravés dans le bois, perruques, masques africains ou tapis de prière.

Son vocabulaire iconographique se développe et se diversifie petit à petit : mains, fils, nuages sombres, souffles, corps hybrides (notamment humains/animaux), corps jumeaux, corps en tension, corps en déséquilibre, dédoublements de visages, cibles, images de guerre floutées, machines circulaires, chiffres, formules mathématiques, enfants, jeux, mais aussi migrants ou hommes de pouvoir. Il évoque des sujets aussi cruciaux que la domination, le pouvoir et l’aveuglement de nos regards, dépeignant en psychanalyste notre dualité constante, notre flou, nos traumatismes et nos cauchemars collectifs. Tout semble apparaître dans un état de flottement, comme si l’ensemble de ses dessins tenait dans une sorte d’apesanteur, faite de fragilité et de précarité, dans laquelle ni hommes, ni femmes, ni animaux, ni objets ne touchent le sol. Pour Mohamed Lekleti, le monde céleste épouse le monde terrestre, l’éternel et le factuel se touchent, l’intemporel et l’instant, le passé et le présent ne font qu’un.

L’exposition au musée de la Kasbah – Espace d’art contemporain, permettra aux visiteurs de vivre une immersion dans l’oeuvre de Mohamed Lekleti, des oeuvres in situ feront écho à des sculptures hybrides et se développera autour d’oeuvres, dessins, toiles sans aucune thématique commune apparente.
Néanmoins, presque tous évoquent les mécanismes de contrôle ou d’influence. Les micros font partie des motifs récurrents de l’artiste, métaphores du discours médiatique et de ses leurres. On retrouve aussi souvent la présence de carte forcément géopolitique de la Méditerranée qui peut nous aider à supposer que les tensions apparentes dans certaines oeuvres sont celles que peuvent vivre les exilés, les déracinés, souvent contraints de se séparer de leur terre et de vivre de manière schizophrénique (dont les symptômes s’apparentent souvent à des « voix » que les malades entendent) entre deux cultures et deux langues.

Dans l’oeuvre de Mohamed Lekleti l’homme tient souvent un fil également relié à une machine sans fonction qui elle-même est manipulée par des mains sans corps. Qui manipule qui dans ces images qui ressemblent à des paraboles ? Comme toujours chez Mohamed Lekleti tout n’est que rébus visuel. On interprète plus qu’on explique. Tel est le monde de ses rêves. Cette exposition est placée sous le commissariat de Abdelaziz El Idrissi.

À propos de Mohamed Lekleti :
Mohamed Lekleti (né à Taza, Maroc ; vit et travaille à Montpellier, France) développe une oeuvre à forte dimension narrative, mêlant dessin, collage et textile dans des compositions denses et stratifiées. Le dessin, coeur de sa pratique, lui permet d’explorer la complexité humaine ainsi que les questions de déplacement et d’identité. Nourri par la mémoire personnelle et collective, les mythologies et les traditions orales telles que Les Mille et Une Nuits, son univers symbolique recompose le monde en une trame fragmentée mais résiliente.
Lauréat du Salon du dessin contemporain Chic Dessin Paris (2011), Lekleti est reconnu comme une figure majeure du dessin contemporain en France et au Maroc. Son travail a été exposé dans de nombreuses institutions telles que le MAC Lyon, l’Institut du Monde Arabe, le Frissiras Museum, le musée Paul Valèry à Sète, le Musée d’art contemporain de Lisbonne, le musée Mohamed VI, la Fondation Blachère, présenté dans des foires d’art internationales, Art Dubai, Abou Dhabi Art Fair, 1.54, Art Paris, Volta Basel, Drawing Now… Ses oeuvres font partie de nombreuses collections publiques et privées, parmi lesquelles le Detroit Institute of Arts (États-Unis), l’Institut du Monde Arabe (Paris), le MAC Lyon, le CNAP, le Frac Occitanie, le FRAC Picardie, la Fondation Gandur pour l’Art (Genève), le Musée Mohammed VI (Rabat), la Fondation Société Générale, la Fondation Blachère, la Kamel Lazaar Foundation (Tunisie / Suisse), la Banque Al Maghrib, la AM Qattan Foundation (Palestine/Londres) le musée Paul Valèry de Sète, la collection ES SAADI, le MACAAL… En parallèle, et toujours dans le cadre de la Saison Méditerranée 2026, le travail de Mohamed Lekleti sera également exposé au Frac Occitanie Montpellier dans l’exposition: En déséquilibre
ي اختلال التوازن / / /
ف . Commissariat: Eric Mangion. Ouverture le jeudi 24 novembre 2026 à 18h et fermeture le 23 décembre suivant.

https://www.frac-om.org/expositions/prochainement/mohamed-lekleti-en-desequilibre.html

Cette exposition est soutenue par La Galerie 38, le Es Saadi Marrakech Resort et le Frac Occitanie Montpellier.

À travers des approches singulières de la photographie, leurs œuvres explorent les questions de l’identité, de la mémoire, du corps, de la représentation de la femme et du rapport au territoire, offrant des récits visuels sensibles où se rencontrent expériences personnelles et réflexions universelles.

Les unes pratiquent l’autoportrait pour questionner la société et le statut de la femme dans sa représentation quotidienne mais aussi en lien avec l’histoire de l’art.
Pour d’autres, la photographie est l’un des médiums avec lesquels elles interrogent la mosaïque du monde et ses représentations.

4 femmes au coeur de cette exposition.

Amina Benbouchta (née en 1963 à Casablanca) pratique la photographie, mais aussi la peinture et l’installation. Son travail, nourri, entre autres, par ses études d’anthropologie, explore la relation poétique entre le corps, la mémoire et l’identité. Elle interroge les notions de présence et d’absence, de mémoire collective, de construction des récits historiques et politiques et se livre à une réflexion sur la complexité du monde contemporain, la fragilité de la planète et les mécanismes de contrôle générés par les nouvelles technologies. Dans ses séries de photographies, elle questionne la notion d’enfermement et de place de la femme dans la société, ce qu’elle appelle « cette maltraitance des femmes qui sont les victimes sacrificielles de la société », et l’aborde notamment à partir du personnage d’Alice au Pays des merveilles, le conte de de Lewis Carrol, un conte initiatique qui lui permet de créer une atmosphère particulière, entre rêve et réalité, visible et invisible.

Amina Benbouchta
Down the rabbit hole, 2012
Photographie numérique sur dibon
Edition : 3/5

Zoulikha Bouabdellah (artiste franco-algérienne, née en 1977 à Moscou) développe un travail engagé pour lequel elle utilise aussi bien la photographie, la vidéo, la peinture, le dessin que la sculpture ou l’installation. Dans son oeuvre, elle interroge les questions du corps, de la construction identitaire, des représentations dominantes, des héritages culturels, du pouvoir, des récits mythologiques, du sacré. Ses photographies, en noir et blanc ou en couleur, mettent en scène des corps qui évoquent une histoire dont elle fait le sujet de son travail, interrogeant en particulier le statut des femmes et de leur représentation dans la société. Elle utilise parfois la photographie pour questionner les représentations orientalistes, donnant sa version d’une odalisque masculine, disant : « Les représentations dominantes, tronquées, paraissent définitives et absolues. Les clichés sont une limite à la plénitude et empêchent de comprendre le monde avec sérénité et désintéressement… Ma recherche artistique consiste à me donner comme dessein de représenter un monde à redéfinir. »

Zoulikha Bouabdellah
Les hommes de la plage de Casablanca, 2026
Photographie
Tirage N&B, Jet d’encre pigmentaire sur des papiers Fine Art
Edition : 1/3
42 x 73 cm

Fadia Ahmad (artiste libanaise née en 1975 à Alicante) recourt à la street photography mais conçoit ses images comme des tableaux. Elle porte son regard sur les villes et leurs habitants, pour donner l’image d’une vision complexe du monde d’aujourd’hui. Ses photos, loin d’être un reportage documentaire, sont une quête philosophique, une quête du quotidien, de la lumière, de la beauté. Elle raconte, en creux, une histoire, l’Histoire, et montre des instants poétiques nichés dans les moindres détails. En noir et blanc ou en couleur, très précisément cadrées ou juste saisies d’un instant, et parfois, telles des chromos d’un pays rêvé qui peut se révéler tout autre, ses photographies montrent les fragments d’une vie comme les fragments d’une ville, qui est le plus souvent Beyrouth, et d’un pays, qui est souvent le Liban. Elle scrute « l’intime, ce qui lie les êtres », scrute « le paysage, ce qui lie les rives. Les deux, pourtant, convergent : ils parlent d’amour, de distance, de ce qui nous fonde et de ce que nous portons sans le savoir. Ils parlent de ce besoin essentiel : relier ».

Fadia Ahmad
Les filles qui marchent sur la plage : White Journey, Alicante, 2018
Tirage réalisé sur papier Hahnemühle Photo Rag 310g/m², avec des encres pigmentaires Epson UltraChrome, garantissant une qualité d’archivage. Les oeuvres sont montées sur Dibond 2 mm,
Édition de 5 exemplaires, plus 2 épreuves d’artiste
105 x 155 cm 

Meriem Bouderbala (née en 1960 à Tunis) pratique l’autoportrait pour questionner la société et le statut de la femme dans sa représentation quotidienne et en lien avec l’histoire de l’art. Son travail, reflet de ses engagements, a une dimension féministe et politique. Dans ses séries de photographies où elle se met en scène, elle exprime un sentiment d’oppression et d’enfermement et dénonce le « sort réservé aux femmes, à leur corps précisément ». Ces photos sont des compositions qui semblent telles des images vues dans un kaléidoscope. On y aperçoit le corps nu de l’artiste dédoublé, démultiplié, déformé, recomposé, son objectif devenant « comme un pinceau ». Elle fait ainsi état de sa sensation d’être comme scindée en deux parties : « la femme orientale et la femme occidentale ». Elle dit faire de son corps : « de son exposition photographique altérée, bouleversée, une scène, un praticable éphémère pour une tragédie sans origine et qui n’a pas de fin. »

Meriem Bouderbala
Psykédélik 1, 2013
Tirage argentique sur diasec
180 x 170 cm

Vernissage : 17 juin 2026 à 16h00

Pour plus d’informations, merci de contacter Gallery Kent au +212 766 65 86 43

Gallery Kent
19 rue Jabha Wataniya
Tanger

 Infos et réservations sur : www.festivalsama.com

« Back to Morocco » Le Maroc aux premiers temps de la photographie.

Une exposition exceptionnelle consacrée aux premiers regards photographiques portés sur le Maroc entre la fin du XIXe et le milieu du XXe siècle.
À travers une sélection rare de tirages albuminés et photographies argentiques d’époque, l’exposition propose une immersion dans un Maroc aujourd’hui disparu : celui des médinas, des marchés, des ports, des paysages urbains et des scènes de vie saisis par les pionniers de la photographie.

Tanger y occupe une place centrale. Ville internationale, cosmopolite et fascinante, elle apparaît comme un véritable carrefour entre l’Europe, l’Afrique et le monde méditerranéen. Les photographies dévoilent le Grand Socco, la Kasbah, la place du Méchouar, les rues de la médina ou encore le front de mer dans une atmosphère où se croisent traditions marocaines, influences européennes et mémoire historique.

Au-delà de leur valeur esthétique, ces oeuvres constituent aujourd’hui de précieux documents historiques, témoignant autant de la richesse documentaire des débuts de la photographie que de la construction d’un imaginaire visuel du Maroc destiné aux voyageurs et aux collectionneurs européens.

Les photographes aux regards pionniers présentés dans cette exposition.

Antonio Cavilla – 1867–1909 · Tanger
Issu d’une famille génoise établie à Gibraltar, Antonio Cavilla est reconnu comme l’un des premiers photographes orientalistes actifs au Maroc. Son oeuvre couvre vues urbaines, monuments, scènes de rue et portraits ; il édite également des cartes postales sous la mention « Édition A. Cavilla ».

G. W. Wilson & Co. – 1823–1893 · Écosse
Photographe écossais dont les vues de Tanger figurent dans l’album Souvenirs de Tanger (éd. Garcia, 1881). Ses tirages albuminés constituent des documents de référence sur la ville à la fin du XIXe siècle.

Jean Besancenot – 1902–1992
Dans une démarche profondément ethnographique, Jean Besancenot a documenté les costumes et identités régionales du Maroc, constituant une archive précieuse des cultures marocaines. Son oeuvre, rigoureuse et esthétique, reste une référence incontournable.

Jacques Belin – 1910–1974
Installé à Rabat en 1940, Jacques Belin devient le photographe attitré de la Résidence générale. Pendant plus de vingt ans, il réalise un vaste reportage visuel sur le Maroc du protectorat, à la frontière entre documentaire et art.

Marcelin Flandrin – 1889–1957
Photographe français installé au Maroc au début du XXe siècle, Marcelin Flandrin a consacré sa vie à documenter les transformations du pays à travers des milliers de clichés, immortalisant villes, paysages et scènes de vie quotidienne.

Edgar Haincque de Saint-Senoch – 1839–1904
Photographe français issu de la noblesse tourangelle, il réalise vers 1880 une série de clichés remarquables à Tanger — marchés, scènes de rue et vues panoramiques — dont la sensibilité esthétique est particulièrement remarquable.

A propos de la Galerie Artingis

Galerie Artingis – Un écrin de mémoire photographique au coeur de Tanger
À quelques pas des remparts de Sour Al Maâgazine, nichée dans une rue piétonne calme du centre historique de Tanger, la Galerie Artingis s’impose comme l’un des lieux les plus singuliers de la scène culturelle tangéroise.
Depuis plus de quinze ans, Yann Tribes et Bernard Liagre, passionnés d’histoire et de patrimoine, y ont rassemblé une collection remarquable consacrée à la mémoire visuelle du Maroc. La galerie est particulièrement reconnue pour sa collection exceptionnelle de photographies anciennes, couvrant une période allant de la fin du XIXe siècle jusqu’au milieu du XXe siècle. Ces images constituent de précieux témoignages sur l’histoire du pays, ses paysages, ses villes, ses populations et ses traditions.
La galerie ne propose que des photographies originales d’époque — tirages anciens réalisés au moment même de la prise de vue. Elle s’attache volontairement à ne pas présenter de reproductions modernes.
Aux côtés de ces photographies, la galerie présente également des livres anciens rares consacrés au Maroc, des cartes postales d’époque, des affiches touristiques et des documents historiques, formant un ensemble cohérent qui éclaire l’histoire culturelle et iconographique du pays. Lieu de découverte autant que de contemplation, Artingis est aujourd’hui reconnu comme l’un des rares espaces au Maroc dédiés à la photographie ancienne authentique.

Galerie Artingis
41 rue Khalid Ibn Oualid (ex-rue Velasquez) Tanger, Maroc
Téléphone +212 5 39 33 04 25
+212 6 19 77 87 15
+212 6 66 37 40 61
Internet: contact@artingis.com
www.artingis.com
Horaires Lundi – Samedi
10h00 – 13h00 · 16h00 – 19h00

Née à Rabat en 1997, Hiba Baddou développe une pratique pluridisciplinaire à la croisée de la photographie, du film, de la sculpture et de la fiction spéculative. Son travail interroge les circulations contemporaines des images et des récits, en lien avec les transformations culturelles et sociales induites par les technologies de transmission.

Avec Paraboles : Une Odyssée Hertzienne, l’artiste propose une exploration sensible et critique de l’impact des flux médiatiques sur nos imaginaires et nos manières d’habiter le monde. Point de départ de cette réflexion : l’antenne parabolique, objet familier du paysage urbain marocain depuis les années 1980, devenu ici symbole de réception et de projection vers l’ailleurs.

À travers une série d’œuvres photographiques, sculpturales et filmiques, Hiba Baddou transforme cet objet technique en figure poétique et politique. Les paraboles, parfois fabriquées artisanalement à partir de couscoussiers détournés, témoignent d’une époque où l’accès aux images venues d’ailleurs a profondément redéfini les horizons culturels. Les toits des villes deviennent ainsi des paysages d’antennes, révélateurs d’un monde connecté, traversé par des flux invisibles.

L’exposition se déploie comme un récit immersif structuré autour de plusieurs ensembles. Les photographies documentent ces architectures du signal dans des territoires périphériques, tandis que certaines images mettent en scène des figures humaines coiffées de paraboles, métaphore d’une humanité devenue réceptrice permanente d’images.

Les installations et sculptures prolongent cette réflexion, notamment Cous-mic (Constellation de 101 couscoussiers), qui revisite l’objet domestique en tant que dispositif de captation, ou encore La Parabomobile, un triporteur hérissé de paraboles évoquant une hyperconnexion paradoxale, entre mobilité et saturation d’informations.

Au cœur du projet, Hiba Baddou imagine la République d’Hertz, un univers fictionnel où les identités se construisent à partir des flux médiatiques. Cette cosmogonie contemporaine se matérialise à travers un ensemble de symboles et d’objets : un alphabet hertzien, des parchemins, un passeport et un ouvrage fondateur, 72 MHz (Le Livre sacré), qui inscrit cette fiction dans une dimension quasi mythologique.

Le film Paraboles : La Sacralisation des Images vient compléter cet ensemble en proposant une chorégraphie visuelle où des corps deviennent des antennes vivantes, incarnant une relation au monde profondément médiatisée.

À travers cette œuvre ambitieuse, Hiba Baddou interroge notre rapport aux images, à l’ailleurs et à la mémoire collective. Paraboles : Une Odyssée Hertzienne esquisse ainsi les contours d’une mythologie contemporaine, où les ondes deviennent langage, territoire et récit.

Galerie Delacroix – Institut français à Tanger
Du 12 mai au 12 juin 2026
Vernissage : mardi 12 mai à 19h30 en présence de l’artiste
Entrée libre

A propos de Hiba Baddou

Hiba Baddou (née en 1997 à Rabat) est une artiste pluridisciplinaire dont la pratique s’étend au cinéma, à la photographie, à la peinture, à la performance et à la direction artistique. Ancrée dans la culture marocaine, son œuvre explore les notions d’identité, de rituel et de langage à travers un prisme rétro-futuriste. Diplômée de l’EICAR Paris (meilleure réalisation et meilleure photographie) et de Penninghen (Master en direction artistique, prix du jury présidé par Jean-Charles de Castelbajac), elle a développé un langage visuel singulier mêlant narration et symbolisme.

Son travail a été exposé dans des institutions majeures au Maroc et à l’international, notamment au MACAAL, à la Biennale de Dakar et à Paris Photo. Son projet Paraboles, qui explore le pouvoir des images et les questions de migration, a reçu une reconnaissance internationale, remportant le Art for Change Prize à la Saatchi Gallery ainsi que le prix du meilleur film d’art à l’AVIFF (2024).

En parallèle de sa pratique artistique, elle collabore avec des musiciens tels que David August, Manu Chao, Keziah Jones et Amadou & Mariam, en créant des identités visuelles et des performances. Son travail tisse image, son et geste en des systèmes poétiques qui interrogent notre manière de voir, de nous souvenir et d’appartenir.