« Trompe-l’œil » a été tiré à 150 exemplaires, numérotés et signés par Mohamed Benyaïch. La rencontre sera animée par l’ami Sali Bouba Oumarou, en présence de Mohamed Benyaïch et Philippe Guiguet Bologne.

Extrait:

« Mohamed Drissi avait trouvé dans l’expressionnisme la forme la plus adéquate pour exprimer les terribles solitudes qui nous accablent. Il ne s’agissait pas d’une solitude de l’être social, puisque le peintre était très entouré, respecté et aimé ; il nous révélait la solitude de l’artiste, substantielle à l’être et à la conscience, une solitude de la perspicacité à vif, face à la vanité et à la violence du monde. La solitude de ceux qui affrontent leur société et leurs semblables, sans pouvoir se contenter de l’ordre établi, et qui jamais ne détournent le regard pour échapper à ce qui terrasse leurs contemporains. La solitude d’une conscience qui fait face à la misère morale de son temps. Mohamed Drissi mettait ses personnages à nu, déshabillait leurs corps tordus par la douleur, dessinait leurs sourires tourmentés, de la même façon que les expressionnistes allemands déformaient de mal-être les corps de leurs modèles, figurant ainsi la montée des fascismes qui allaient ravager la première moitié du XXe siècle et anéantir toute possibilité d’une haute idée de l’homme. On a pu penser que la violence de notre époque était liée à cette incommensurable émancipation que fut la fin nietzschéenne de Dieu – est-ce donc la violence de la liberté elle-même ? – ; mais la véritable brutalité était à chercher bien loin du déicide : dans la fin de l’homme – en tant qu’être et conscience perfectibles -, et dans la désormais absolue impossibilité de foi, de croyance – en autre chose que le nouveau veau d’or : la consommation ? -. Pier Paolo Pasolini a fait montre d’une rare acuité sur la postmodernité qui prenait forme sous ses yeux : il acheva son mythique film Médée – qu’il a pourtant renié comme sa Trilogie de la vie – par la formule que la reine, prêtresse, magicienne et amante prononce dans un plan découvrant tout son vertige : « Rien n’est plus possible désormais ». La fin de l’enchantement, de la griserie comme de l’illusion et du charme : si Dieu n’est plus dans ses cieux, l’homme ne sera pour autant jamais un animal divin, ni même un simple animal d’ailleurs, mais cet animal dénaturé, devenu nuisible pour lui-même et pour son entier environnement. Cette incommensurable violence, cette gigantesque incompréhension, cette innommable perte ont travaillé l’âme et la conscience de Mohamed Drissi, qui avait trouvé son chemin expiatoire en l’expressionnisme. Mohamed Benyaïch reprend les mêmes codes graphiques, qui immédiatement nous conduisent, instinctivement, dans un répertoire d’affliction, car le peintre ne renie en rien le fait que cette tragédie soit bien réelle : notre monde est aussi pourri que le royaume du Danemark de Hamlet. Le plasticien invente d’ailleurs une nuance de vert pour exprimer ce fameux entre-deux, la même indétermination par laquelle surgissent les monstres de l’histoire – ceux de Gramsci, bien sûr, ou encore ceux de la révélation shakespearienne de La Tempête, dans laquelle il se dit que « L’enfer est vide, tous les démons sont ici. » Mohamed Benyaïch émet un signal et confesse : « Je sais bien tout cela, j’en ai une conscience aigue, je ne suis pas dupe, et ce que Freaky a enduré, a vécu d’excès, prouve ma lucidité et combien je suis touché… Mais j’ai trouvé ma voie et ma paix, je me suis fait homme parmi mes semblables, et plutôt que de souffrir de tout ce que nous ne pouvons être, je nous regarde dans notre admirable et triste humanité : je m’en contente et, mieux, je m’en réjouis… » Il y a ainsi, dans ce vert Benyaïch tirant vers le kaki des uniformes militaires, un mélange des jaunes du fiel et des bleus du ciel, un retissage des liens possibles entre l’homme et l’homme, l’homme et l’empyrée, l’homme et la terre. « Nous ferons ce que nous pouvons », dit son œuvre, qui finalement nous désigne dans nos solitudes désormais assumées, et qui montre le tableau du pardon que l’on peut s’adresser à soi-même autant qu’on doit l’accorder à nos semblables. »

Samedi 20 décembre 2025 à 18h00

Gallery Kent
19 rue Jabha Wataniya, 90000 Tanger, Maroc
www.gallerykent.com
IG : gallerykent / FB : Gallery KENT

Ce jour là, Olivier Conil nous avait présentés sur la terrasse de sa galerie de la Médina Catherine Baret, Omar Mahfoudi, Amina Rezki et Najoua Elhitmi qui nous avait exposé sa démarche et son travail. Elle nous avait aussi régalé d’excellents plats marocains, car Najoua était également excellente en cuisine…

Depuis ce moment, j’ai suivi avec intérêt toutes les étapes de son parcours artistique, souvent relaté sur ce site.

Najoua était une personne rayonnante, déterminée, immensément positive, engagée, entreprenante, gentille au sens noble du terme et une formidable artiste multi-facettes au talent immense et en permanente évolution…

Pour rendre hommage à Najoua, j’ai sélectionné trois témoignages pour rappeler à nos mémoires cette belle personne fauchée trop tôt par la maladie et enlevée à son beau destin artistique.

Une pensée pour ses enfants, sa famille et ses proches.

Paul Brichet

C’était ma fée par Stéphanie Gaou.

J’ai cherché cette photo toute la matinée. C’était en mars 2022. Najoua rayonnait et prenait sa vie en main. Son art également. Nous avons toujours beaucoup travaillé toutes les deux. Nous avons toujours échangé autour de nos doutes, de nos désirs, de l’art, elle a été à mes côtés lorsque Jean est mort, nous avons organisé une exposition pour sa mémoire grâce à elle.
C’était ma Fée. Depuis qu’elle s’était installée rue Velazquez pour l’ouverture de Zawia, nous partagiions encore plus de moments. Pas un évènement sans qu’elle soit des nôtres. Toujours du partage. Et de l’amour à donner. Des appels réguliers. Des hammams (moi qui détestais ça pourtant), des baignades, des marches, des dîners, des cafés, tant de jolis moments que nous voliions à nos emplois du temps. De l’amour encore et toujours comme elle le méritait tant. Najoua était une étincelle qui cherchait la liberté. La liberté coûte cher pour les femmes. Nous en parlions sans cesse.
Je remercie ses enfants de m’avoir permis d’aller la voir lorsque la maladie n’était pas encore trop coriace. Ce n’était pas assez, mais je m’estimerai toujours heureuse d’avoir pu lui tenir la main, de lui parler, de la détourner de la douleur. Ce fut trop court toujours et je voulais croire au miracle.
Le miracle n’a pas eu lieu : ma Fée a rejoint Jean, artiste nomade que j’aimais tant et qui a lui aussi voyagé auprès des étoiles. Comme ma Fée va me manquer. Comme je pense à toutes celles et ceux qu’elle a connus qui vont se sentir orphelins. Pensées et amour à ses enfants et à tous ses proches.

Une belle âme par Madiha Hajoui.

Najoua Elhitmi, une belle personne dans les deux sens du terme nous a quitté et ce dans la fleur de l’âge. Une belle âme animée par l’amour de l’art avec un grand A et la quête de sens, du vrai qui apparait grâce à la perception du faux, car qui peut approcher la « vérité », ce concept galvaudé que chacun cuisine à sa sauce. Avant tout, prêter une intense attention à la compréhension de soi. Et la complexité de cette tâche importante était partie prenante de la quête de Najoua.
Il me vient à l’esprit ce propos de Dostoievski adressé à son frère : « L’homme est un secret. Il faut le percer et si tu t’y attaches toute ta vie, ne dis pas que tu as perdu ton temps. »
Chère Najoua, bien que tu ais parcouru cette vie à toute allure, ton chemin a été tout tourné vers l’essentiel, cet essentiel que beaucoup négligent de leur vivant. Ainsi tout est accompli.
Que la paix et l’amour t’inondent en cette autre présence. Ala8re7mek!
Je présente ici mes condoléances attristées et mes pensées de soutien à toute sa famille et à sa belle famille.

Najoua Elhitmi, spontanéité et maîtrise par Eden Art Gallery.

Dans l’oeuvre de Najoua El Hitmi, la peinture devient le lieu d’un affrontement subtil entre spontanéité et maîtrise, où chaque trace déposée sur la toile est moins une illustration qu’un acte de présence.
Le geste, tantôt impulsif, tantôt réfléchi, ne vise pas la représentation mais s’érige en sujet. Il compose des surfaces où le trait, affranchi de sa fonction descriptive, acquiert une autonomie presque organique.

Née à Tanger en 1978, Najoua a d’abord parcouru le monde avant de faire de la création artistique sa terre d’ancrage. Son exposition Amazonia, présentée à l’Eden Art Gallery, témoigne d’un basculement. À la faveur d’un séjour en Amazonie, l’artiste crée des oeuvres comme une écriture dans un carnet de voyage : elle capte, absorbe, transforme. La toile devient un champ magnétique, traversé par des forces contraires, telluriques et intuitives.

Chez Najoua, la peinture n’est jamais un simple médium. Elle est matière à penser, matière à éprouver. Loin de tout didactisme, son travail évoque les expérimentations de l’art informel et du tachisme, tout en s’inscrivant dans une continuité sensible avec une tradition du geste, à la frontière de l’écriture.

Une tension féconde s’y joue, entre les archétypes et l’expérience contemporaine, entre la mémoire des formes et leur dissolution. Refusant les dualismes classiques –figuration/abstraction, intérieur/extérieur, maîtrise/abandon – Najoua opère dans un entre-deux fertile : celui de la porosité.

Chaque oeuvre naît d’un processus patient et engagé. Des couches successives se superposent, oscillant entre opacité dense et éclats translucides. L’oeil du spectateur n’est jamais au repos : les formes apparaissent, disparaissent, se recomposent. Rien n’est figé, tout respire. Cette instabilité formelle est un choix – presque une éthique – qui fait de chaque composition un palimpseste vivant. Il ne s’agit pas de montrer, mais de faire advenir.

Dans ces réalisations récentes, les teintes s’ancrent dans une palette tellurique : terres profondes, verts denses, blancs laiteux et noirs liquides. Des couleurs qui semblent avoir traversé la forêt, les fleuves et les cendres. Comme si la toile avait absorbé les éléments. À la manière des avant-gardes du XXe siècle qui cherchaient à libérer le trait de sa servitude figurative, Najoua interroge la possibilité même de l’image stable.

Mais il serait erroné de chercher chez elle une affiliation théorique ou une école. Najoua ne revendique aucune appartenance : elle agit. Sa peinture est une entreprise d’émancipation, un geste d’auto-définition. Là où tant d’oeuvres cherchent à séduire ou à s’expliquer, les siennes résistent.

Elles demandent à être habitées, scrutées, questionnées. Elles exigent une présence. Mahmoud Darwich écrivait : « Je trace la terre avec les mots de mes pas. »

De même, Najoua peint non pour montrer, mais pour marcher, pour inscrire un passage. Et dans ce cheminement, dans cette écriture silencieuse du geste, se joue peut-être l’essence même de son travail: une invitation à penser l’image peinte non pas comme un miroir du monde, mais comme une traversée sensible du réel. Ou, du moins, de ce que l’on pense du réel.

A propos de Najoua Elhitmi

Najoua est née à Tanger en 1978 où elle vit et travaille. Mariée à un médecin et mère de trois enfants. Après des études de tourisme à Tanger, elle collabore pendant 16 ans dans l’agence Hit Voyages créée par son père.
A 33 ans, elle se met à la peinture comme une révélation. Elle passait régulièrement devant un marchand de couleurs à côté de l’agence et un jour elle entre dans la boutique, achète des toiles, de la peinture, des pinceaux et comme une évidence elle se met à peindre.
Najoua est une artiste autodidacte.
Elle se consacrait totalement à son activité artistique de peintre et de sculpteur.

Omar Mahfoudi signe son retour à Tanger, sa ville natale, qu’il a quittée il y a une dizaine d’années. Cette exposition marque un véritable retour aux sources, une plongée dans la mémoire et les souvenirs qui nourrissent son œuvre.

Les toiles rassemblées se dressent à la manière d’une arborescence de la mémoire, où chaque œuvre incarne une branche des pensées de l’artiste. Ainsi, le visiteur se retrouve plongé dans les réminiscences de l’esprit d’Omar Mahfoudi, témoin de ses souvenirs, dans cette forêt que l’on nomme mémoire. Les branches s’étendent vers les cieux lorsque les racines s’enfouissent dans les profondeurs de la terre. Les figures s’ouvrent au rêve tout en se reconnectant à leur passé et à leurs origines. C’est ainsi que se manifeste l’onirisme nostalgique propre à l’artiste, explorant la construction de l’identité comme synthèse des traditions et aspirations personnelles.

Par ce va-et-vient constant entre passé et présent, souvenir et fantasme, Des branches oubliées se présente comme un retour en enfance, une ode à l’évasion empreinte de nostalgie.

Vernissage en présence de l’artiste, vendredi 4 juillet 2025 à 19h30.

Quelques oeuvres présentées lors de l’exposition « Des branches oubliés » à la galerie Delacroix de Tanger…

La galerie Dar D’art organise l’exposition « Corps à corps » de l’artiste Khadija Tnana du 16 Mai au 30 Juin 2025.

L’exposition « Corps à corps » de Khadija TNANA plonge dans la mémoire du corps et ses résonances intimes. À travers un style singulier et expressif, l’artiste interroge la mémoire, l’identité et la condition féminine. Chaque composition, entre figuration et abstraction, révèle une vision intime et engagée, empreinte de sensibilité et de force.

Découvrir > le catalogue de l’exposition « Corps à corps »

Le corps, thème central et récurrent dans l’œuvre de Khadija Tnana, se révèle à travers une exploration sans cesse renouvelée. Après avoir traversé une période marquée par les ombres de la maladie, sa palette s’est progressivement illuminée, laissant émerger une expression vibrante où émotions et sensualité dialoguent désormais librement.
Cette transformation trouve son origine dans une résidence artistique à Fès, au sein de la médina, où l’architecture traditionnelle a réveillé en elle des souvenirs d’enfance à Tétouan. Ces lieux, imprégnés de nostalgie, lui ont rappelé des moments de joie, dans une atmosphère de complicité et de fête.
Là, une énergie nouvelle a surgi, comme une renaissance.
Fidèle à sa technique mixte – associant acrylique, papier semi-artisanal, café, sable et encre smak –, Khadija Tnana s’oriente vers une semi-abstraction pour traduire des espaces intimes. Ses œuvres deviennent alors le reflet d’univers féminins où se mêlent douceur et mystère.
Engagée et humaniste, l’artiste puise également son inspiration dans les questions sociales qui lui tiennent à cœur, comme les conflits en Irak et en Palestine. Son œuvre, bien que nourrie de cet univers intime, reste ainsi traversée par une sensibilité aux enjeux humains, dans un équilibre entre introspection et engagement.
Aujourd’hui, son travail incarne un dialogue entre mémoire et renaissance, entre héritage et métamorphose, révélant une artiste en perpétuelle quête de sens et de beauté.

A propos de Khadija Tnana.

… Pourtant, les figures ne sont jamais ni pliées, ni arquées.
Elles ne courbent jamais l’échine. Refus radical de toute forme de soumission.
Dressées, debout, à hauteur d’homme, elles laissent advenir une stature digne qui sied à tout être…pleinement humain.

Née en 1945 à Tétouan, Khadija Tnana a d’abord suivi une trajectoire universitaire et politique : elle a été adjointe au maire de Fès, chargée de la culture, entre 1983 et 1992. En 1993, elle quitte la scène politique pour se consacrer pleinement à la peinture – sans jamais se détourner de ses engagements.
Autodidacte, elle développe un langage plastique singulier, utilisant des matériaux bruts comme le marc de café, le sable et la terre pour créer des textures profondes et organiques.
Ses œuvres, souvent sans titre, explorent avec audace la forme humaine, déformant les corps
pour en révéler l’essence émotionnelle.
À Barcelone, où elle approfondit sa démarche, elle cofonde le collectif Ras El Hanout. Son travail, exposé notamment au Parlement européen en 1996, se distingue par son authenticité et sa puissance expressive.
Artiste profondément engagée, Khadija Tnana puise son inspiration dans la mémoire collective, rendant hommage à travers certaines œuvres signées «Tata M’barka» – aux femmes oubliées de l’histoire. Son atelier reste aujourd’hui un espace d’une création intense, où chaque toile naît d’un dialogue profond entre l’artiste et la matière.
En 2024, elle crée la fondation Khadija Tnana au sein de sa maison, créant ainsi un espace
culturel et multidisciplinaire pour la ville de Tétouan.

Galerie Dar D’art
6, rue Khalil Matrane
RDC N° 5 (derrière le restaurant la pagode)
Tanger
Tel: 00 212 5 39 37 57 07
www.dardart.com

La Galerie Delacroix vous invite à découvrir les oeuvres de l’artiste Amina Rezki native de Tanger au cours de sa nouvelle exposition qui se déroulera du 23 mai au 23 juin 2025.

La galerie Delacroix de l’Institut français de Tanger a le plaisir d’accueillir l’artiste Amina Rezki pour une exposition personnelle, marquant un retour chargé d’émotion dans sa ville natale. Cette exposition propose un voyage à travers les univers picturaux de l’artiste, entre mémoire intime et imaginaire troublant.

Diplômée de l’Académie royale des beaux-arts de Bruxelles, Amina Rezki développe une œuvre puissante et poétique, nourrie de son histoire personnelle, de l’expérience de l’exil, et d’un regard aigu sur les dérives du monde contemporain. Son travail mêle peinture à l’huile et dessins au fusain, dans une tension constante entre réalisme distordu, symbolisme surréaliste et expressionnisme dramatique.

Ses œuvres évoquent tour à tour l’enfance, le déracinement, les migrations, les conflits, et l’identité fragmentée, tout en laissant émerger une part d’incongruité onirique. Masques, figures hybrides, chevaliers endormis et paysages déformés peuplent un univers où le réel et le fantastique s’interpénètrent.

En exposant à Tanger, Amina Rezki renoue avec ses racines, dans un dialogue artistique entre passé et présent, entre douleur et espoir, entre drame et poésie.

Vernissage en présence de l’artiste, vendredi 23 mai 2025 à 19h30

GALERIE DELACROIX DE L’INSTITUT FRANÇAIS
Rue de la liberté
Tanger

A propos d’Amina Rezki

Née à Tanger, Amina Rezki vit et travaille à Bruxelles. Diplômée de l’Académie royale des beaux-arts de Bruxelles, elle développe une pratique artistique mêlant peinture, dessin au fusain et installation, où se croisent mémoire autobiographique, symbolisme et imaginaire onirique. Marquée par l’expérience de l’exil, vécue dès l’enfance, son œuvre explore les thèmes du déracinement, de l’identité fragmentée et des tensions géopolitiques, tout en conservant une forte dimension narrative.

Ses compositions, souvent peuplées de figures masquées, d’animaux hybrides ou de personnages énigmatiques, empruntent autant à l’expressionnisme qu’au surréalisme. Elle cite volontiers Goya, Magritte ou Buñuel parmi ses références visuelles, tout en affirmant une démarche profondément personnelle, à la frontière entre le drame et l’absurde. À travers une iconographie riche et ambivalente, elle interroge la place de l’individu dans un monde en crise, laissant affleurer l’humour et l’incongruité comme formes de résistance poétique.

Amina Rezki a exposé en Belgique, au Maroc et en France, notamment à BOZAR (Bruxelles), au Cube – Independent Art Room (Rabat), à la Biennale des jeunes créateurs de l’Europe et de la Méditerranée, ainsi qu’au Centre Wallonie-Bruxelles à Paris. Son retour à Tanger, à l’occasion d’une exposition à la Galerie Delacroix de l’Institut français, résonne comme une boucle intime et artistique, entre mémoire, imaginaire et réinvention de soi.

La peintre Catherine Renaud-Baret présente avec Abdellatif Mehdi une superbe exposition, « Double-Effet », encadrée par Najat Algandouzi, à la Galerie Delacroix, de Tanger, du 24 janvier au 24 mars 2025.

Catherine Renaud-Baret, née au Maroc avant l’Indépendance, est arrivée à Tanger depuis une quinzaine d’années. Elle partage sa vie entre la ville du Détroit et Bayonne. Peintre prolifique, elle dresse un univers singulier et reconnaissable entre tous, très féminin et délicat, subtil et fragile, où elle traite de toute la complexité humaine.

Diplômée de l’École supérieure de commerce de Paris puis des Beaux-Arts de Varsovie, elle fut aussi occasionnellement publicitaire, styliste, décoratrice et costumière. Elle a présenté sa peinture aux Foires d’art contemporain de Basel et de Paris. Elle a bénéficié d’expositions personnelles à la Galerie des Blanc-Manteaux à Paris et à la Galerie des Saints-Pères de Bourges, à la Belle de mai de Marseille, à la Comédie de Saint-Étienne, à la Petite Galerie de Guettary, à l’Institut français de Yaoundé, à l’Archway Gallery de Houston, à la Miva Gallery de Malmö et chez Conil à Tanger.

« Fragments de Peinture » : Une fenêtre sur la diversité de la création contemporaine marocaine.

La Gallery Kent présente « Fragments de Peinture », une exposition collective inédite du 13 décembre 2024 au 31 janvier 2025, qui célèbre l’intimité et l’accessibilité de l’art contemporain marocain à travers des oeuvres au format réduit. Pensée comme un dialogue entre artistes, collectionneurs et amateurs d’art, cette exposition invite à explorer les multiples facettes de la création artistique actuelle au Maroc tout en offrant une opportunité unique aux jeunes collectionneurs de débuter leur aventure dans le monde de l’art.

« Fragments de Peinture » met en lumière des oeuvres qui, par leur format réduit, appellent à une observation rapprochée et une connexion personnelle avec le spectateur. Une initiative qui incarne la volonté de la gallery Kent de démocratiser l’accès à l’art en proposant des oeuvres d’une grande qualité artistique, tout en étant accessibles à de nouveaux collectionneurs. L’exposition rassemble des artistes marocains aux approches distinctes, offrant ainsi un aperçu riche et diversifié de la scène contemporaine.

Amina Benbouchta nous transporte dans un univers empreint de poésie et d’introspection, où chaque composition raconte une histoire intime, pleine de symboles et de questionnements sur la condition humaine.

Bachir Amal mêle collages et peinture dans des oeuvres qui interrogent la mémoire collective et personnelle, évoquant des fragments d’identité à travers des formes
et des textures vibrantes.

Abdellah El Haitout, quant à lui, joue sur l’abstraction et les textures pour révéler des empreintes et des souvenirs enfouis, des traces qui rappellent la fragilité du passage du temps.

Les portraits théâtraux de Younes El Kharraz dévoilent une palette émotionnelle complexe, mêlant humour, mélancolie et une subtile touche d’exubérance.

Omar Mahfoudi, dans son exploration de la figure humaine, utilise des techniques fluides pour exprimer la transformation et la fragilité, créant des oeuvres d’une
grande intensité émotionnelle.

Avec ses visages fragmentés et masqués de bandes colorées, Hicham Matini offre une réflexion critique sur notre société numérique et la déshumanisation provoquée par les écrans et la technologie.

Les oeuvres de Amina Rezki plongent le spectateur dans des portraits empreints de force et de vulnérabilité, où la texture picturale devient le reflet d’émotions enfouies et d’une quête d’identité.

Les huiles sur toile de Salah Taibi, avec leurs visages effacés et leurs tons éthérés, explorent l’idée de l’éphémère et de l’impermanence, offrant des oeuvres aussi troublantes que méditatives.

Enfin, Mohamed Qannibou, à travers des couleurs éclatantes et des formes expressives, nous invite à découvrir des mondes intérieurs où l’abstraction et l’émotion se rejoignent.

Une nouvelle dynamique pour l’art marocain
« Fragments de Peinture » ne se limite pas à une exposition ; elle représente une initiative plus large visant à créer un pont entre l’art contemporain marocain et le grand public. En rendant l’art accessible, la Gallery Kent souhaite nourrir une culture d’acquisition chez les jeunes en particulier et encourager un dialogue autour des pratiques artistiques. Cette première édition marque le début d’un rendez-vous annuel que la Gallery Kent souhaite inscrire dans le calendrier artistique marocain. Au-delà d’une simple exposition, « Fragments de Peinture » se positionne comme un projet de médiation culturelle, favorisant le lien entre les artistes et leur public.

« FRAGMENTS DE PEINTURE »
Avec: Amal Bachir, Benbouchta Amina, El Haitout Abdellah, El Kharraz Younes, Mahfoudi Omar, Matini Hicham , Rezki Amina, Taibi Salah, Qannibou Mohammed.

Vernissage: vendredi 13 Décembre 2024 à 18h00

19, Rue Jabha Wataniya
Tanger
+212 5 31 96 34 31

Céramiques organiques, peintures figuratives sur cartons d’emballage recyclés, autoportraits, figures grimaçantes, scènes de vie quotidiennes ou portraits psychédéliques, les oeuvres de Thomas Mendonça vacillent entre les mélodrames sentimentaux, la culture post-pop et la beauté de la singularité.
Son univers à la fois facétieux et inquiétant est riche de sa double culture Franco-Portugaise, mais surtout de ses engagements. Thomas observe assidûment son environnement et les symboles, mais aussi les corps et visages qui croisent son chemin.
Thomas Mendonça aime aussi nous inviter à plonger dans un doux surréalisme, tout en questionnant notre façon de voir notre monde et nos semblables.

Thomas Mendonça (1991, France), artiste diplômé en Arts Plastiques de l’École Supérieure d’Arts et de Design de Caldas da Rainha, vit et travaille à Lisbonne. Thomas a participé à plusieurs expositions individuelles et collectives au Musée Géologique de Lisbonne, Musée National d’Histoire Naturelle et des Sciences, Musée National d’Art Contemporain du Chiado et à la galerie Foco, tous à Lisbonne, en plus d’avoir été commissaire d’exposition aux théâtres Primeiros Sintomas et Taborda, ainsi qu’à la galerie Foco.

Pour sa première exposition individuelle au Maroc, Thomas Mendonça expose ses dessins, peintures et céramiques au Donkey Museum à Tanger du 26 Octobre au 30 Novembre 2024, le vernissage aura lieu au Donkey Museum le 26 octobre à 17H en présence de l’artiste.

 

49, rue de la Kasbah
Tanger

Écrits sur les cimaises est un recueil de textes de catalogues réalisés depuis 12 ans par Philippe Guiguet Bologne. Beaucoup de ces textes ont été produit pour Gallery Kent, mais aussi la galerie Shat, la Galerie Delacroix, Conil et la fondation Hassan II. « On s’est rendus compte que ça montrait une démarche théorique cohérente et que ça pouvait être utile de les rassembler pour donner une vue d’ensemble sur mon approche théorique de l’art. Et ça donne aussi un certain portrait – partial et partiel, mais intéressant et parlant – de l’art qui se fait dans cette décennie », déclare Philippe Guiguet-Bologne.

C’est une initiative d’Aziza Laraki, après la publication de la monographie consacrée à Ouazzani. Gallery Kent ouvre un rayon livres et envisage de publier quelques nouveaux livres, pour accompagner son travail avec les expositions…

Après sa marquante intervention en solo à la galerie de l’Artothèque de Casablanca, Ahlam marque ici son retour avec son exposition « bleu » à la galerie Delacroix de l’Institut français de Tanger.

Ahlam Lemseffer est l’une des artistes plasticiennes les plus influentes de sa génération.

Son travail s‘articule autour des médiums tels que la peinture, la sculpture et l’installation. Ses recherches explorent les formes, les espaces et les couleurs et interrogent ainsi l’interdépendance qui existe entre planéité et spatialité.

Ahlam détient un grand nombre de distinctions, dont la prestigieuse décoration de l’Académie française des Arts des Sciences et des lettres.

Ses œuvres figurent dans plusieurs collections particulières et publiques au Maroc et à l’étranger.

L’interstice, les trous, les vides d’un être, d’un écrivain, d’un artiste, font partie de son oeuvre, de sa création elle-même. Et s’ils en font partie au moment de son surgissement, ils demeurent partie intégrante de ce qui en fait la nécessité intrinsèque et répondent ainsi de son avenir.
Au contact de l’extérieur, une sorte de dépôt s’y constitue et un réseau d’images s’organise, héritées de l’histoire ancienne et récente. Cette mémoire en couches et en strates va par la suite activer la sensibilité, et amener l’être à s’exprimer.
L’oeuvre d’art, sauf exception, est quelque chose qui vient du plus noir de l’être pour trouver forme et figure dans la limpidité de l’expression, et qu’il y faut, entre flux intérieur et formulation saisissable, une manière de balance. C’est grâce à cet équilibre vibrant et instable que peut naître et exister l’oeuvre d’art, dans sa nature la plus parfaite.
C’est dans ces trous et ces interstices que viennent se placer les apports extérieurs, opérant un véritable collage, dialoguant avec le plus profond de l’être pour en extirper l’invisible, l’indicible et le remonter à la surface, pour devenir expression visible et limpide.
Résonnance de l’artiste au texte de Salah Stétié

Vernissage en présence de l’artiste : le Samedi 20 janvier 2024 à 19h30

Galerie Delacroix
86, rue de la Liberté
Tanger

A propos de Ahlam Lemseffer Mahla.

Ahlam Lemseffer est l’une des artistes plasticiennes les plus influentes de sa génération. Son travail s’articule autour des médiums tels que la peinture, la sculpture et l’installation. Ses recherches explorent les formes, les espaces et les couleurs et interrogent ainsi l’interdépendance qui existe entre planéité et spatialité.

Ahlam est née à El Jadida (Maroc), elle vit et travaille à Casablanca.
Après des études d’arts plastiques aux Arts Décoratifs de Paris ainsi qu’à l’ESAG Penninghen, elle complète sa formation par une licence en littérature anglaise à l’Université Paris VIII. Dès les années 80, l’œuvre de Ahlam trouve visibilité et reconnaissance sur la scène artistique nationale et internationale. Son travail est alors montré entre autres, au Musée VERA (St Germain en Laye) en 1993, Palais d’IENA (Paris) en 1994, Hoover Public Friends Gallery (Birmingham Alabama) en 1999 , Memphis USA en 1999,  Galerie CDG (Rabat) en 2002, Chicago – Casablanca Sister Cities (Chicago) en 2006,  Galerie Bab El Rouah (Rabat) en 2007, durant l’exposition inaugurale du Musée Mohamed VI d’Art Moderne et Contemporain (Rabat) en 2014 et à la Cairo Bank Gallery (Amman) en 2015.

L’artiste a également participé à la quatrième Biennale Internationale d’Art Islamique (Iran) en 2002, à la Biennale du Caire en 2007, à la XXIVème Biennale d’Alexandrie en 2008, à la Biennale de Sculptures et Installations (Graz) en 2013 et à la Biennale Internationale d’Art Contemporain de Tunis en 2014.

Elle détient un grand nombre de distinctions, dont la prestigieuse décoration de l’Académie française des Sciences des Arts et des Lettres.

Depuis 1994, elle est membre du comité d’honneur à la Société des Arts Francophones.

Ses œuvres figurent dans plusieurs collections particulières et publiques majeures, au Maroc et à l’étranger.

En 2012, Ahlam Lemseffer fonde le MAC à Briech-Asilah qui est aujourd’hui structure culturelle incontournable du milieu de l’art contemporain marocain.