Née à Rabat en 1997, Hiba Baddou développe une pratique pluridisciplinaire à la croisée de la photographie, du film, de la sculpture et de la fiction spéculative. Son travail interroge les circulations contemporaines des images et des récits, en lien avec les transformations culturelles et sociales induites par les technologies de transmission.

Avec Paraboles : Une Odyssée Hertzienne, l’artiste propose une exploration sensible et critique de l’impact des flux médiatiques sur nos imaginaires et nos manières d’habiter le monde. Point de départ de cette réflexion : l’antenne parabolique, objet familier du paysage urbain marocain depuis les années 1980, devenu ici symbole de réception et de projection vers l’ailleurs.

À travers une série d’œuvres photographiques, sculpturales et filmiques, Hiba Baddou transforme cet objet technique en figure poétique et politique. Les paraboles, parfois fabriquées artisanalement à partir de couscoussiers détournés, témoignent d’une époque où l’accès aux images venues d’ailleurs a profondément redéfini les horizons culturels. Les toits des villes deviennent ainsi des paysages d’antennes, révélateurs d’un monde connecté, traversé par des flux invisibles.

L’exposition se déploie comme un récit immersif structuré autour de plusieurs ensembles. Les photographies documentent ces architectures du signal dans des territoires périphériques, tandis que certaines images mettent en scène des figures humaines coiffées de paraboles, métaphore d’une humanité devenue réceptrice permanente d’images.

Les installations et sculptures prolongent cette réflexion, notamment Cous-mic (Constellation de 101 couscoussiers), qui revisite l’objet domestique en tant que dispositif de captation, ou encore La Parabomobile, un triporteur hérissé de paraboles évoquant une hyperconnexion paradoxale, entre mobilité et saturation d’informations.

Au cœur du projet, Hiba Baddou imagine la République d’Hertz, un univers fictionnel où les identités se construisent à partir des flux médiatiques. Cette cosmogonie contemporaine se matérialise à travers un ensemble de symboles et d’objets : un alphabet hertzien, des parchemins, un passeport et un ouvrage fondateur, 72 MHz (Le Livre sacré), qui inscrit cette fiction dans une dimension quasi mythologique.

Le film Paraboles : La Sacralisation des Images vient compléter cet ensemble en proposant une chorégraphie visuelle où des corps deviennent des antennes vivantes, incarnant une relation au monde profondément médiatisée.

À travers cette œuvre ambitieuse, Hiba Baddou interroge notre rapport aux images, à l’ailleurs et à la mémoire collective. Paraboles : Une Odyssée Hertzienne esquisse ainsi les contours d’une mythologie contemporaine, où les ondes deviennent langage, territoire et récit.

Galerie Delacroix – Institut français à Tanger
Du 12 mai au 12 juin 2026
Vernissage : mardi 12 mai à 19h30 en présence de l’artiste
Entrée libre

A propos de Hiba Baddou

Hiba Baddou (née en 1997 à Rabat) est une artiste pluridisciplinaire dont la pratique s’étend au cinéma, à la photographie, à la peinture, à la performance et à la direction artistique. Ancrée dans la culture marocaine, son œuvre explore les notions d’identité, de rituel et de langage à travers un prisme rétro-futuriste. Diplômée de l’EICAR Paris (meilleure réalisation et meilleure photographie) et de Penninghen (Master en direction artistique, prix du jury présidé par Jean-Charles de Castelbajac), elle a développé un langage visuel singulier mêlant narration et symbolisme.

Son travail a été exposé dans des institutions majeures au Maroc et à l’international, notamment au MACAAL, à la Biennale de Dakar et à Paris Photo. Son projet Paraboles, qui explore le pouvoir des images et les questions de migration, a reçu une reconnaissance internationale, remportant le Art for Change Prize à la Saatchi Gallery ainsi que le prix du meilleur film d’art à l’AVIFF (2024).

En parallèle de sa pratique artistique, elle collabore avec des musiciens tels que David August, Manu Chao, Keziah Jones et Amadou & Mariam, en créant des identités visuelles et des performances. Son travail tisse image, son et geste en des systèmes poétiques qui interrogent notre manière de voir, de nous souvenir et d’appartenir.

Conçue comme une traversée du monde et du temps, LEGACY n’est pas une simple rétrospective. L’exposition propose une lecture transversale et engagée d’un parcours artistique situé à la croisée de l’art, de la science et de la transmission. Elle s’articule autour de quatre grands axes, qui structurent le parcours et donnent à voir la cohérence d’une œuvre profondément humaniste.

Le premier axe, Kenya, 1979 – Aux origines du regard, revient sur les débuts de Yann Arthus-Bertrand en Afrique, lorsqu’il étudie le comportement des lions dans la réserve du Masaï Mara. Cette expérience fondatrice marque la naissance de son regard de photographe et de son engagement en faveur de la protection du vivant.

Le deuxième axe est consacré au projet emblématique La Terre vue du ciel, initié en 1993. À travers une sélection d’images aériennes devenues iconiques, l’exposition révèle la beauté de la planète autant que sa vulnérabilité. Ce regard porté depuis le ciel permet de saisir l’ampleur des transformations écologiques, géopolitiques et humaines à l’œuvre, ainsi que l’interdépendance des territoires.

Le troisième axe, Les Français (1990–2025), propose un portrait social de la France contemporaine. Depuis plus de trente ans, Yann Arthus-Bertrand photographie des milliers de personnes, anonymes et figures publiques, accompagnées de leurs proches, de leurs collègues ou de leurs animaux. Ce travail, inspiré des grandes enquêtes sociologiques, constitue une mémoire visuelle sensible de la société française.

Le quatrième axe explore le lien ancestral entre l’humain et l’animal à travers la série Bestiaux. Réalisés dans le monde agricole, ces portraits de chevaux, de bovins, d’ovins et de porcins, accompagnés de leurs éleveurs, interrogent les relations de respect, de travail et de dépendance mutuelle qui unissent l’homme et l’animal.

Tout au long du parcours, les photographies sont accompagnées de données fiables provenant d’organisations internationales spécialisées dans l’environnement, la biodiversité et l’agriculture. Ces informations permettent au public de comprendre le contexte des images et les enjeux écologiques et humains qu’elles mettent en lumière.
Au cœur de l’exposition, un manifeste rappelle une conviction essentielle : il existe des solutions, et chacun peut agir. Loin de tout discours culpabilisant, LEGACY défend une vision positive et mobilisatrice de l’engagement, où l’action collective devient une source d’espoir.

A propos de Yann Arthus-Bertrand.

Yann Arthus-Bertrand est photographe, réalisateur et militant écologiste. Depuis plus de cinquante ans, il regarde la Terre pour mieux nous apprendre à la comprendre.

Né à Paris en 1946, il découvre très jeune la photographie. Mais c’est loin des cadres académiques, au contact direct de la nature et des animaux, qu’il forge son regard. En Afrique, au Kenya, il vit plusieurs années au cœur de la savane, étudie les lions et comprend que prendre de la hauteur — au sens propre comme au figuré — est parfois la meilleure façon de voir juste. La photographie aérienne devient alors son langage.

Son travail le conduit à parcourir le monde, à documenter les paysages, les hommes et les équilibres fragiles qui les relient. Avec La Terre vue du ciel, exposée pour la première fois en plein air à Paris, il invente une nouvelle manière de montrer la photographie : accessible à tous, dans l’espace public, comme une invitation à regarder autrement notre planète. L’exposition et le livre touchent des millions de personnes à travers le monde.

Peu à peu, son œuvre devient un outil de transmission. À travers ses films — Home, Human, Woman, Legacy — Yann Arthus-Bertrand donne la parole à celles et ceux qui habitent la Terre, tout en révélant sa beauté et sa vulnérabilité. Son engagement se prolonge avec la création de la Fondation GoodPlanet, dédiée à l’éducation et à l’action en faveur de l’environnement.

Aujourd’hui encore, il poursuit ce dialogue entre art, science et conscience écologique, convaincu que l’émotion est souvent le premier pas vers le changement.
Son travail nous rappelle une chose essentielle : la Terre n’est pas seulement un décor. Elle est vivante, fragile, et profondément liée à nos histoires humaines. Et le rôle de l’artiste, comme celui du témoin, est de nous inviter à en prendre soin.

Informations pratiques
Institut français – Galerie Delacroix
Exposition du 30 janvier au 30 mars 2026
Entrée libre

TRENTE ANS DE CRÉATION, ENTRE MÉMOIRE ET AVENIR

En 2025, Hicham Lahlou célèbre trente années d’un parcours international exceptionnel dans le design et l’architecture d’intérieur. Depuis 1995, il s’impose comme une figure pionnière du design, un ambassadeur reconnu à l’international, un défricheur out of the box dont l’audace et la créativité ont contribué à redéfinir les contours du design marocain, africain et arabe à l’international.

À l’été 2025, son parcours est mis à l’honneur par le prestigieux magazine Wallpaper, qui lui consacre un article et une interview saluant son impact et sa vision.

Son œuvre s’écrit comme une constellation : chaque projet, chaque objet, chaque rencontre trace une étoile dans un univers en constante expansion, où se mêlent identité, mémoire et modernité.

Le symbole graphique de cette exposition s’inspire directement du patrimoine : la feuille de trèfle, que Hicham Lahlou réinterprète et transforme en une étoile lumineuse, ancrant ainsi son travail dans un héritage culturel tout en ouvrant des perspectives vers l’avenir. À ses côtés, le X incarne la collaboration, le croisement des talents et des idées — des valeurs fondamentales pour nourrir la créativité et faire rayonner le design.

Constellations – Retour vers le futur est à la fois un clin d’œil au parcours et une projection vers demain : un voyage à travers trente ans de design où le passé éclaire le présent et inspire le futur.

Présentée à Tanger, l’exposition invite à découvrir le travail de Hicham Lahlou, ainsi que celui de trois jeunes artistes designers marocains qu’il a choisis d’inviter : Selma Lazrak, Amine Asselman et Hasnae Lahlou, symboles de la transmission et de la vitalité créative des nouvelles générations.

LE MAROC COMME MATRICE CRÉATIVE

Par Sanaa El Younsi, commissaire de l’exposition

Figure majeure du design contemporain, Hicham Lahlou s’impose depuis trois décennies comme l’un des pionniers du design en Afrique et dans le monde arabe. Designer international et architecte reconnu mondialement, il a contribué de manière décisive à faire émerger le design au Maroc, inscrivant son pays dans la cartographie internationale de la création.

Son œuvre constitue un jalon essentiel dans l’histoire culturelle marocaine : elle incarne à la fois la mémoire des savoir-faire ancestraux et leur projection dans une modernité universelle. Puisant dans l’immense patrimoine des gestes, des matières et des motifs, Hicham Lahlou élabore un langage singulier qui dépasse l’objet fonctionnel pour atteindre le statut de forme porteuse de sens, de récit et de mémoire collective.

L’importance de son parcours réside non seulement dans la force de ses créations, mais aussi dans sa capacité à ouvrir des voies nouvelles, à bâtir des ponts entre tradition et innovation, entre local et global. Visionnaire, il a fait du Maroc une matrice créative, un terreau fertile où le design dialogue avec l’histoire, l’art et l’artisanat.

Engagé dans la transmission et le partage, Hicham Lahlou n’a cessé de soutenir les générations montantes, invitant de jeunes artistes et créateurs à prendre part à ce mouvement. En donnant une visibilité à des talents comme Selma Lazrak et Amine Asselman, il affirme que le design est aussi un espace d’ouverture, de rencontre et d’avenir.

En célébrant ses trente ans de carrière, son œuvre se présente aujourd’hui comme une interrogation fondamentale : qu’est-ce que le design ? Est-il un simple art appliqué au service de l’usage, ou bien une démarche artistique totale, où la fonction s’efface pour laisser émerger l’émotion et l’imaginaire ?

Dans cette tension féconde entre héritage et contemporanéité, Hicham Lahlou a construit une œuvre manifeste, où la matière devient langage, où la forme se fait écriture, et où le Maroc s’affirme comme un acteur incontournable de la scène créative internationale.

A propos de Hicham Lahlou

Un parcours enraciné et visionnaire. Depuis plus de trente ans, Hicham Lahlou s’engage dans un design enraciné, visionnaire et porteur de sens.Son parcours, dialoguant constamment entre le Maroc, l’Afrique et les grandes scènes internationales, s’est construit autour d’un design industriel, artistique, culturel et institutionnel, toujours au service de récits puissants, d’identités affirmées et de liens interculturels.

Parmi les œuvres majeures de cette rétrospective figure Constellation, une création réalisée à quatre mains avec Cheick Diallo et éditée par DAUM en exclusivité pour le Groupe Chalhoub au Moyen-Orient. Cette pièce exceptionnelle sera présentée pour la première fois au Maroc à l’occasion de cette rétrospective.

TRANSMISSION ET NOUVELLE GÉNÉRATION

Fidèle à son esprit de transmission, Hicham Lahlou a invité trois artistes et designers marocains qu’il considère comme emblématiques de la nouvelle scène créative: Selma Lazrak, Amine Asselman, Hasnae Lahlou.

A propos de Selma Lazrak

Selma Lazrak est une architecte et designer d’objet marocaine installée à Munich. Formée en France, où elle obtient un master en architecture et design durable, elle a d’abord exercé comme cheffe de projet dans plusieurs agences internationales. En 2020, elle fonde son studio, un espace de recherche et de création où se rencontrent architecture, design mobilier et savoir-faire artisanal.

Son travail explore les relations entre matière, territoire et héritage marocain, dans une approche qui allie sens, culture et contemporanéité. Ses créations artisanales et expérimentales, réalisées avec des matériaux nobles, lui ont valu une reconnaissance internationale, notamment Designer de l’année aux Africa Design Awards 2023, une nomination au Prix du design 2024 de l’IMA et sa présence dans le classement Top 50 Women 2025 de Forbes Afrique.

Membre de la World Design Organisation, elle intervient régulièrement dans des conférences en Afrique et au Maroc, et est représentée par la Galerie Philia (New York, Genève, Singapour, Mexico).

A propos de Amine Asselman

Amine Asselman, né en 1989 à Toulouse, est un artiste marocain et docteur en art contemporain. Initialement attiré par les sciences, il a étudié l’architecture avant de se tourner vers sa passion pour l’art et le design à l’Institut National des Beaux-Arts de Tétouan.

Après son diplôme, il a obtenu un master et un doctorat en art contemporain à l’Université de Vigo, où il a exploré le lien entre la science et l’art, influencé par des artistes comme M.C. Escher, Sol Lewitt ou Antoni Gaudi. Ses recherches ont porté sur la géométrie du zellige.

Amine Asselman a participé à de nombreuses expositions et vit aujourd’hui à Tétouan, où il dirige son atelier de céramique.

A propos de Hasnae Lahlou

Hasnae Lahlou est artiste peintre franco-marocaine et juriste de formation. Après des études en droit international à l’Université de Toulouse, elle entame une carrière dans le monde de l’entreprise avant de s’orienter vers la peinture, qu’elle pratique depuis une dizaine d’années.

Autodidacte, elle a façonné un univers singulier, vibrant et poétique, où la couleur occupe une place centrale. Son travail explore les émotions, la mémoire et la sensibilité. Chaque toile est un hommage à la vie, exprimé à travers un langage pictural instinctif et profondément humain.

En 2026, elle fera une entrée remarquée sur la scène artistique nationale : invitée par son frère, Hicham Lahlou, elle réalisera pour la première fois une œuvre de grande dimension à l’occasion de la célébration des trente ans de carrière de ce dernier. Elle présentera ensuite sa première exposition individuelle au printemps 2026.

LE DESIGN COMME LANGAGE UNIVERSEL

À travers Constellations – Retour vers le futur, Hicham Lahlou explore la diversité des formes, des matériaux et des idées qui traversent son œuvre, interrogeant le design comme un langage universel, capable de relier les cultures et de penser le futur.

Infos Pratiques…

– Titre : Constellations – Retour vers le futur by Hicham Lahlou – 30 ans de design 1995 – 2025

– Artiste principal : Hicham Lahlou

– Artistes invités : Selma Lazrak, Amine Asselman, Hasnae Lahlou

– Commissariat : Sanaa El Younsi

– Lieu : Galerie Delacroix, 86 rue de la Liberté, Tanger

– Dates : Du 31 octobre au 31 décembre 2025

– Vernissage : Vendredi 31 octobre 2025 à 19h30, en présence des artistes

Omar Mahfoudi signe son retour à Tanger, sa ville natale, qu’il a quittée il y a une dizaine d’années. Cette exposition marque un véritable retour aux sources, une plongée dans la mémoire et les souvenirs qui nourrissent son œuvre.

Les toiles rassemblées se dressent à la manière d’une arborescence de la mémoire, où chaque œuvre incarne une branche des pensées de l’artiste. Ainsi, le visiteur se retrouve plongé dans les réminiscences de l’esprit d’Omar Mahfoudi, témoin de ses souvenirs, dans cette forêt que l’on nomme mémoire. Les branches s’étendent vers les cieux lorsque les racines s’enfouissent dans les profondeurs de la terre. Les figures s’ouvrent au rêve tout en se reconnectant à leur passé et à leurs origines. C’est ainsi que se manifeste l’onirisme nostalgique propre à l’artiste, explorant la construction de l’identité comme synthèse des traditions et aspirations personnelles.

Par ce va-et-vient constant entre passé et présent, souvenir et fantasme, Des branches oubliées se présente comme un retour en enfance, une ode à l’évasion empreinte de nostalgie.

Vernissage en présence de l’artiste, vendredi 4 juillet 2025 à 19h30.

Quelques oeuvres présentées lors de l’exposition « Des branches oubliés » à la galerie Delacroix de Tanger…

La Galerie Delacroix vous invite à découvrir les oeuvres de l’artiste Amina Rezki native de Tanger au cours de sa nouvelle exposition qui se déroulera du 23 mai au 23 juin 2025.

La galerie Delacroix de l’Institut français de Tanger a le plaisir d’accueillir l’artiste Amina Rezki pour une exposition personnelle, marquant un retour chargé d’émotion dans sa ville natale. Cette exposition propose un voyage à travers les univers picturaux de l’artiste, entre mémoire intime et imaginaire troublant.

Diplômée de l’Académie royale des beaux-arts de Bruxelles, Amina Rezki développe une œuvre puissante et poétique, nourrie de son histoire personnelle, de l’expérience de l’exil, et d’un regard aigu sur les dérives du monde contemporain. Son travail mêle peinture à l’huile et dessins au fusain, dans une tension constante entre réalisme distordu, symbolisme surréaliste et expressionnisme dramatique.

Ses œuvres évoquent tour à tour l’enfance, le déracinement, les migrations, les conflits, et l’identité fragmentée, tout en laissant émerger une part d’incongruité onirique. Masques, figures hybrides, chevaliers endormis et paysages déformés peuplent un univers où le réel et le fantastique s’interpénètrent.

En exposant à Tanger, Amina Rezki renoue avec ses racines, dans un dialogue artistique entre passé et présent, entre douleur et espoir, entre drame et poésie.

Vernissage en présence de l’artiste, vendredi 23 mai 2025 à 19h30

GALERIE DELACROIX DE L’INSTITUT FRANÇAIS
Rue de la liberté
Tanger

A propos d’Amina Rezki

Née à Tanger, Amina Rezki vit et travaille à Bruxelles. Diplômée de l’Académie royale des beaux-arts de Bruxelles, elle développe une pratique artistique mêlant peinture, dessin au fusain et installation, où se croisent mémoire autobiographique, symbolisme et imaginaire onirique. Marquée par l’expérience de l’exil, vécue dès l’enfance, son œuvre explore les thèmes du déracinement, de l’identité fragmentée et des tensions géopolitiques, tout en conservant une forte dimension narrative.

Ses compositions, souvent peuplées de figures masquées, d’animaux hybrides ou de personnages énigmatiques, empruntent autant à l’expressionnisme qu’au surréalisme. Elle cite volontiers Goya, Magritte ou Buñuel parmi ses références visuelles, tout en affirmant une démarche profondément personnelle, à la frontière entre le drame et l’absurde. À travers une iconographie riche et ambivalente, elle interroge la place de l’individu dans un monde en crise, laissant affleurer l’humour et l’incongruité comme formes de résistance poétique.

Amina Rezki a exposé en Belgique, au Maroc et en France, notamment à BOZAR (Bruxelles), au Cube – Independent Art Room (Rabat), à la Biennale des jeunes créateurs de l’Europe et de la Méditerranée, ainsi qu’au Centre Wallonie-Bruxelles à Paris. Son retour à Tanger, à l’occasion d’une exposition à la Galerie Delacroix de l’Institut français, résonne comme une boucle intime et artistique, entre mémoire, imaginaire et réinvention de soi.

La galerie Delacroix de l’Institut français de Tanger est heureuse de présenter l’exposition « Double Effet », une rencontre exceptionnelle entre deux artistes aux visions et sensibilités uniques : Catherine Renaud-Baret et Abdellatif Mehdi.

Cette exposition invite le public à un voyage sensoriel et introspectif, où les frontières entre le réel et l’imaginaire, la lumière et l’ombre, se font particulièrement fluides.

« Double Effet » réunit deux artistes qui, à travers leurs œuvres, explorent les mystères de l’existence humaine, tout en confrontant le spectateur à des émotions intenses et souvent contradictoires.

Catherine Renaud-Baret, avec ses peintures poétiques, scrute les âmes croisées ou imaginées, évoquant des mondes parallèles où les regards et les gestes semblent se répondre de manière silencieuse. Elle joue avec les nuances subtiles entre la réalité tangible et l’au-delà, créant une atmosphère de rêverie qui touche profondément le spectateur. Ses œuvres, souvent inspirées de son propre parcours entre le Maroc et la France, témoignent de la richesse de l’altérité et de l’éphémère, des correspondances invisibles qui relient les êtres humains à l’univers.

Abdellatif Mehdi, de son côté, plonge dans les recoins de l’inconscient, à travers une peinture expressionniste audacieuse et vibrante. Ses œuvres, souvent sombres et intenses, sont le reflet de ses explorations intérieures, marquées par des thèmes universels tels que la peur, le désir, et la libération des corps. Inspiré par l’œuvre d’Edvard Munch, Mehdi cherche à déchirer les voiles du réel pour atteindre une vérité plus profonde, souvent dérangeante, mais toujours authentique. Ses compositions puissantes, où la couleur et la forme s’entrelacent, sont une invitation à explorer les zones d’ombre de l’âme humaine.

Ensemble, les deux artistes tissent un dialogue visuel captivant, où l’invisible s’invite dans le tangible, et où les oppositions, telles que la lumière et l’obscurité, le visible et l’invisible, deviennent des ponts qui relient leurs mondes. « Double Effet » n’est pas seulement une exposition de peinture, c’est une immersion dans un univers parallèle où chaque œuvre, par sa force émotionnelle et sa profondeur, interroge le spectateur et l’invite à une exploration de ses propres frontières intérieures.

À travers cette rencontre entre les deux artistes, l’exposition propose une réflexion sur la dualité de l’existence humaine, entre beauté et douleur, présence et absence, rêve et réalité. Le public est invité à une expérience immersive, où chaque œuvre devient une porte ouverte sur un monde mystérieux et fascinant.

A propos de Catherine Renaud-Baret.

Aller-retour entre deux terres séparées par un bras de mer, le Maroc où je suis née pendant la guerre et la France où je suis devenue adulte, a d’une certaine manière défini ma vie future, celle d’une nomade à travers plusieurs continents.
Formée aux Beaux-Arts de Varsovie, puis à ceux de Marseille, j’ai vécu et exposé dans beaucoup de pays : l’Afrique noire, l’Amérique, Paris, Bâle, Saint-Étienne, Tanger et plein d’autres endroits.
Et d’une façon curieuse, aux dernières années de ma longue vie le rythme du tout début a repris, comme le refrain d’une jolie chanson, un va et vient entre le Maroc et la France.

A propos de Abdellatif Mehdi.

Artiste marocain établi à Tanger avec un parcours créatif profondément influencé par la découverte de l’œuvre d’Edvard Munch lors d’un voyage en Norvège. Bien connu dans la scène artistique tangerine, il joue un rôle clé en tant que ressource pour les artistes locaux, notamment grâce à la célèbre boutique Bab El Fenn, un lieu de rencontre prisé par les plasticiens de la ville. Apprécié pour son talent et son engagement, il expose régulièrement dans de nombreuses galeries marocaines. Son travail, marqué par un style expressionniste audacieux, explore des thèmes profonds et souvent transgressifs, tels que le monde nocturne, les excès et la libération des corps, tout en recherchant avant tout la vérité plutôt que la simple beauté.

Vernissage en présence des artistes, vendredi 24 janvier à 19h30 à la galerie Delacroix de l’Institut français Tanger.

GALERIE DELACROIX DE L’INSTITUT FRANÇAIS
Rue de la liberté
Tanger

Abderrahim Yamou est né en 1959 à Casablanca.
Il vit et travaille à Paris et à Tahannaout au Maroc.

Dans le jeu des formes et des textures, Abderrahim Yamou capture des fragments d’un univers suspendu entre fragilité et harmonie, des moments où l’éphémère semble effleurer l’intemporel. Les huiles sur toile, avec leurs textures riches, les dessins à la mine de plomb, empreints de finesse, et les sculptures vivantes, vibrantes de naturalité, révèlent l’exploration constante de l’artiste : celle des connexions subtiles entre le monde végétal et le regard humain, entre ce qui se voit et ce qui se devine.

Chaque œuvre, qu’elle soit peinture, sculpture ou dessin, semble habiter d’un souffle intérieur, d’une vie propre. Les séries récentes, telles que Vue en braille et les fascinants Jardins autonomes, traduisent une démarche presque magique, où l’essence des éléments naturels est sublimée en poésie visuelle. Yamou transcende ainsi les frontières, mêlant art, science et nature dans une quête de l’essentiel.

Dans ses Jardins autonomes, la dynamique de l’eau, la vitalité des plantes et la précision des dispositifs techniques se rencontrent pour donner naissance à des écosystèmes autonomes, véritables allégories d’un équilibre écologique à préserver. Les dessins comme La promenade ou Trois troncs convoquent la mémoire des paysages, tandis que ses peintures monumentales invitent à une réflexion sur l’espace et le passage du temps.

Abderrahim Yamou ne se limite pas à figurer la nature : il en révèle l’âme. À travers ses œuvres, il nous invite à observer autrement, à entendre les échos silencieux de la matière et à percevoir les cycles discrets qui relient le tangible à l’invisible. Son travail s’inscrit dans une vision contemporaine où l’art devient un outil de réconciliation avec le vivant, une manière d’éveiller notre sensibilité au fragile équilibre de notre monde.

Cette exposition est une ode à l’émerveillement, une immersion dans un univers où la vie et l’art se fondent en une harmonie profonde.

Abderrahim YAMOU

Abderrahim Yamou est animé d’un profond désir de nature depuis toujours et se tourne vers elle pour trouver l’inspiration, la matière et une voix pour exprimer sa préoccupation face aux défis environnementaux auxquels nous sommes confrontés.

Il faut rappeler qu’avant d’embrasser une carrière artistique, Yamou a entrepris des études de biologie à Toulouse en 1978 où il a appréhendé le monde du vivant et les lois de la vie. Cela va influer sur son processus créatif lorsqu’il décidera de se consacrer à l’art.

Yamou s’installe dans la banlieue parisienne en 1986 dans un environnement urbain dépourvu de végétation, ce qui suscite en lui un besoin profond de renouer avec la nature en partant de ses acquis scientifiques et en se fiant à son imagination fertile.

Il commence par peindre des tableaux imprégnés d’un vocabulaire formel inspiré de la biologie tel que les organismes cellulaires, les mitochondries ou les molécules, pour raconter à sa manière le vivant et son lien avec la nature. Cette approche microscopique lui permet de représenter les plus petits organismes vivants en leur conférant des allures grandioses, tel un univers cosmique.

Désirant s’immerger dans la nature, Yamou s’installe à Tahannaout, aux pieds de l’Atlas, aux environs de Marrakech, en 2005. Il y construit une maison-atelier et aménage un jardin.

Dès lors, l’artiste « travaille dans la nature et sur la nature », comme il se plaît à le dire. Il y contemple le paysage et observe de près les plantes qui naissent, fleurissent, libèrent des graines et meurent au cours de leur processus cyclique. Cette communion avec la nature permet à Yamou de faire rimer art avec écologie à travers des compositions qui allient recherche esthétique et énergie vitale.

L’actuelle exposition de Yamou, à la galerie Delacroix à Tanger, vient à point nommé pour mieux appréhender la richesse d’une œuvre multiforme et la trajectoire rigoureuse d’un artiste qui demeure fidèle à son engagement envers la nature depuis plus de trois décennies.

À travers une scénographie répartie en trois séquences, cette exposition invite à nous acheminer progressivement dans l’univers artistique et les préoccupations de Yamou.

Cécité

D’emblée, Yamou nous alerte sur la cécité des humains face à l’urgence environnementale et au risque de compromettre la capacité des générations futures à apprécier la nature. Il recourt à la métaphore en exposant de grands dessins en noir et blanc, représentant des non-voyants qui, malgré leur handicap, explorent et savourent la nature qui peut aussi s’entendre, se sentir et se toucher.

Sublimation de la nature

Ensuite, Yamou nous introduit dans ses paysages à travers des « fenêtres » qui leur procurent une certaine profondeur de champ et leur confèrent une vision poétique. Des paysages imaginaires, plus suggestifs que descriptifs, dépeints de façon minutieuse et grandiose, et donnant souvent une place de choix au ciel et à ses variations. Des paysages qui invitent à la délectation et qui suscitent une réflexion sur la nécessité de les préserver afin de conserver leur beauté et leur biodiversité.

État d’urgence

Enfin, Yamou nous invite à partager avec lui ses réflexions et ses expériences sur la vie et la mort des plantes, élaborées dans son atelier-laboratoire. Il y conçoit des sculptures sur troncs d’arbre, recouvertes en partie de clous et surmontées de réceptacles accueillant de la terre ensemencée, de telle manière que les plantes vont pousser, prospérer puis dépérir.

Il conçoit d’autres sculptures-plantes permettant l’observation de leur cycle de vie en toute autonomie et économie de moyens. Par l’association des pratiques artistiques avec les pratiques scientifiques, Yamou nous offre un beau témoignage d’une culture de la durabilité.

Abderrahim Yamou contribue ainsi au renouvellement des représentations et pratiques artistiques à partir de la réflexion écologique et s’engage d’une manière créative sur les défis du xxi^e siècle.

Brahim Alaoui – Historien de l’art et commissaire d’exposition

Vernissage en présence de l’artiste, samedi 14 décembre à 19h30 à la galerie Delacroix de l’Institut français – Tanger

Quelques œuvres de Abderrahim YAMOU…

L’œuvre d’Ilias Selfati, telle que présentée dans cette série, révèle un dialogue complexe entre l’animalité, l’organique et la nature sauvage. L’artiste explore une nature en mouvement perpétuel, peuplée de silhouettes évanescentes et de compositions où les ombres se jouent de la lumière. Il nous transporte dans un monde où les formes animales se meuvent dans un espace indéfini, presque onirique, mais toujours habité d’une vitalité saisissante.

Selfati brouille les frontières entre abstraction et figuration, jouant sur l’ambiguïté visuelle. Les lignes tracent un chemin entre le réel et l’imaginaire, laissant au spectateur la liberté d’interpréter et de créer ses propres récits à travers les formes. Ses animaux, chevaux, cerfs et antilopes… tantôt distincts, tantôt fondus dans des paysages imaginaires, nous rappellent que tout dans ce monde est lié, en mouvement constant.

Ilias capte avec une sensibilité unique l’essence de ces créatures, nous invitant à une réflexion profonde sur notre place dans ce monde partagé avec l’autre. Il nous propose ainsi une immersion sensorielle et philosophique dans les profondeurs de la nature, entre formes, couleurs et lignes. Une œuvre à la fois accessible et infiniment complexe.

Une monumentalité fragile
Acteur majeur de la scène artistique contemporaine, Ilias Selfati se place aujourd’hui comme l’un des meilleurs représentants marocains de ce qu’il est convenu d’appeler la nouvelle figuration. Qu’elles racontent la nature, les hommes, la haine ou l’amour, ses peintures dessinées, aux portes de l’abstraction, dépouillées jusqu’à l’épurement, désarçonnent, intriguent et fascinent. Ilas Selfati explore les interactions entre l’homme et la nature, en mettant en lumière la force et la fragilité de cette relation. Si l’univers peuplé de créatures mythologiques et de forêts profondes de Selfati nous est familier, avec son monde imaginaire habité par un bestiaire merveilleux, les compositions florales et une certaine nature lyrique, y ont toujours leur place. C’est que l’artiste cultive avec insistance une certaine ambiguïté, passant de la majestueuse puissance du monde sauvage dans la série «The forest», à la colère sourde dans «Sangrita» et enfin à une sérénité apaisée avec «Hana». Son travail étonne et émeut par son minimalisme. Il impose silence et introspection par sa fragile monumentalité.

A propos de Ilias Selfati

Ilias Selfati est né à Tanger en 1967. Lauréat de l’Ecole des Beaux-Arts de Tétouan au Maroc, il a ensuite poursuivi ses études à la faculté des Beaux-Arts de l’UCM de Madrid, en Espagne, où il se forme aux techniques de l’estampe (1992-1994). Il suit parallèlement des cours de sérigraphie à l’école des arts graphiques de Madrid en 1993. Il participe à de nombreux ateliers de gravure notamment avec le célèbre artiste espagnol Gerardo Aparicio. Selfati a été invité à un atelier d’art organisé par l’Université Complutense de Madrid à El Escorial en 1993 et donné par l’artiste espagnol José Hernández. L’artiste vit et travaille entre Tanger et Madrid, après avoir vécu à Paris, à Dublin, à Los Angeles, à New York…. Sa première exposition individuelle date de 1987 à Tanger. Depuis lors, il a eu des expositions au Maroc et à l’étranger. Notamment à la galerie Adora Calvo, Salamanca ; galerie Shart Casablanca 2007 ; galerie Thierry Marchand, Paris 2009 ; galerie L’Atelier 21, Casablanca 2011 ; galerie Talmart, Paris 2013 ; galerie Mohamed Drissi, Tanger 2013, galerie Kent, Tanger 2018 ; Artorium Espace d’art Fondation TGCC, Casablanca 2019; galerie Bab Rouah, Rabat 2022…
Les œuvres de Selfati figurent dans de nombreuses collections privées et publiques, notamment la Chalcographie nationale de l’Académie royale espagnole des beaux-arts, le Musée de la Légation américaine de Tanger au Maroc, le Centre africain de Madrid et la Bibliothèque nationale de Madrid.

Textes de Amine Boushaba

À la Galerie Delacroix
86, rue de la Liberté – Tanger
Du 1er novembre au 1er décembre 2024

Quelques oeuvres de Ilias Selfati présentées à la Galerie Delacroix.

Dans le cadre de sa programmation culturelle, l’Institut français du Maroc de Tanger présente une exposition de Jean-Marc Brunet intitulée « Signes de terre » du 19 avril au 31 mai 2024 à la Galerie Delacroix.

Dans le cadre de sa résidence artistique à l’Institut français du Maroc site de Tanger, Jean-Marc Brunet présente son exposition intitulée « Signes de Terre », qui se tiendra du 19 avril au 31 mai 2024 à la Galerie Delacroix.

Jean-Marc Brunet, né en 1970, est un artiste polyvalent travaillant sur divers supports tels que la peinture, la sculpture, la gravure, le dessin et la céramique. Ses échanges avec les poètes ont abouti à la publication de nombreux ouvrages. Il a régulièrement exposé dans des musées et des galeries en France et à l’étranger.

Le Maroc a toujours été une source d’inspiration pour lui, et il y a séjourné à plusieurs reprises, notamment à Tanger, où il a exposé en 2009 au Musée Palais Dar Al Makhzen.

L’exposition « Signes de Terre » est le fruit de sa résidence à l’Institut français, où il a travaillé pendant trois semaines pour rendre hommage à Ahmed Cherkaoui, artiste marocain qui l’a profondément touché. L’objectif est de capturer la passion du signe chez l’artiste marocain et de cristalliser les lumières tangéroises à travers son propre langage artistique.

À la Galerie Delacroix, plus de 100 œuvres de Jean-Marc Brunet, datant de 2013 à 2023, seront exposées. Peintures, dessins, gravures, sculptures et livres d’artiste seront présentés autour de la thématique du « Dépaysage ». L’artiste utilise la nature comme source inépuisable de formes, qu’il agence dans un espace de couleur et de lumière, de matière et de signe.

Héritier de l’école non figurative, Jean-Marc Brunet laisse la place à la ligne et tente de transcender le trait. Pour lui, peindre c’est ressentir intérieurement plutôt que de simplement visualiser mentalement.

Cette exposition offre également un dialogue entre les œuvres de Jean-Marc Brunet et les écrits des poètes tels que Bernard Noël, Jean-Clarence Lambert, Michel Butor, Michel Bohbot et Jean Orizet, dont les livres seront exposés en parallèle avec les peintures à la Galerie Delacroix.

Vernissage en présence de l’artiste le vendredi 19 avril 2024 à 19h30

Galerie Delacroix de l’Institut français
86, rue de la Liberté
Tanger

Entrée libre

A propos de Jean-Marc Brunet

Jean-Marc Brunet, né en 1970 à Soissons, vit et travaille à Chassemy, France. Autodidacte, il se forme néanmoins dans les ateliers des grands peintres tels que Ousseynou Saar au Sénégal, Jean Rustin et Albert Bitran en France et Oswaldo Vigas au Venezuela. Sélectionné en 1995 par le critique d’art Gaston Diehl, il expose deux grandes toiles au musée d’Art Moderne de Nice. Depuis près de trente-cinq ans, les thèmes qui l’inspirent sont l’espace, le territoire et le paysage, présents dès l’origine dans son processus de création. La nature est une source inépuisable de formes à agencer dans un espace couleur-lumière, matière-signe. « Peindre c’est sentir intérieurement et non voir mentalement » Depuis douze ans, la thématique du Dépaysage trouve sa genèse et se cristallise dans le dessin, la gravure ou la peinture. Une présence végétale visible en attente de l’invisibilité. Les livres d’artiste, céramiques et sculptures composent également son quotidien, son travail se construit par couches successives comme un passage du temps, archéologie d’une perception jusqu’à l’image de sa présence. Pour « tenter d’aller au-delà du trait » les accords d’inspiration avec les poètes, les voyages en Afrique de l’ouest et au Maghreb participent à l’élargissement du regard.

Après sa marquante intervention en solo à la galerie de l’Artothèque de Casablanca, Ahlam marque ici son retour avec son exposition « bleu » à la galerie Delacroix de l’Institut français de Tanger.

Ahlam Lemseffer est l’une des artistes plasticiennes les plus influentes de sa génération.

Son travail s‘articule autour des médiums tels que la peinture, la sculpture et l’installation. Ses recherches explorent les formes, les espaces et les couleurs et interrogent ainsi l’interdépendance qui existe entre planéité et spatialité.

Ahlam détient un grand nombre de distinctions, dont la prestigieuse décoration de l’Académie française des Arts des Sciences et des lettres.

Ses œuvres figurent dans plusieurs collections particulières et publiques au Maroc et à l’étranger.

L’interstice, les trous, les vides d’un être, d’un écrivain, d’un artiste, font partie de son oeuvre, de sa création elle-même. Et s’ils en font partie au moment de son surgissement, ils demeurent partie intégrante de ce qui en fait la nécessité intrinsèque et répondent ainsi de son avenir.
Au contact de l’extérieur, une sorte de dépôt s’y constitue et un réseau d’images s’organise, héritées de l’histoire ancienne et récente. Cette mémoire en couches et en strates va par la suite activer la sensibilité, et amener l’être à s’exprimer.
L’oeuvre d’art, sauf exception, est quelque chose qui vient du plus noir de l’être pour trouver forme et figure dans la limpidité de l’expression, et qu’il y faut, entre flux intérieur et formulation saisissable, une manière de balance. C’est grâce à cet équilibre vibrant et instable que peut naître et exister l’oeuvre d’art, dans sa nature la plus parfaite.
C’est dans ces trous et ces interstices que viennent se placer les apports extérieurs, opérant un véritable collage, dialoguant avec le plus profond de l’être pour en extirper l’invisible, l’indicible et le remonter à la surface, pour devenir expression visible et limpide.
Résonnance de l’artiste au texte de Salah Stétié

Vernissage en présence de l’artiste : le Samedi 20 janvier 2024 à 19h30

Galerie Delacroix
86, rue de la Liberté
Tanger

A propos de Ahlam Lemseffer Mahla.

Ahlam Lemseffer est l’une des artistes plasticiennes les plus influentes de sa génération. Son travail s’articule autour des médiums tels que la peinture, la sculpture et l’installation. Ses recherches explorent les formes, les espaces et les couleurs et interrogent ainsi l’interdépendance qui existe entre planéité et spatialité.

Ahlam est née à El Jadida (Maroc), elle vit et travaille à Casablanca.
Après des études d’arts plastiques aux Arts Décoratifs de Paris ainsi qu’à l’ESAG Penninghen, elle complète sa formation par une licence en littérature anglaise à l’Université Paris VIII. Dès les années 80, l’œuvre de Ahlam trouve visibilité et reconnaissance sur la scène artistique nationale et internationale. Son travail est alors montré entre autres, au Musée VERA (St Germain en Laye) en 1993, Palais d’IENA (Paris) en 1994, Hoover Public Friends Gallery (Birmingham Alabama) en 1999 , Memphis USA en 1999,  Galerie CDG (Rabat) en 2002, Chicago – Casablanca Sister Cities (Chicago) en 2006,  Galerie Bab El Rouah (Rabat) en 2007, durant l’exposition inaugurale du Musée Mohamed VI d’Art Moderne et Contemporain (Rabat) en 2014 et à la Cairo Bank Gallery (Amman) en 2015.

L’artiste a également participé à la quatrième Biennale Internationale d’Art Islamique (Iran) en 2002, à la Biennale du Caire en 2007, à la XXIVème Biennale d’Alexandrie en 2008, à la Biennale de Sculptures et Installations (Graz) en 2013 et à la Biennale Internationale d’Art Contemporain de Tunis en 2014.

Elle détient un grand nombre de distinctions, dont la prestigieuse décoration de l’Académie française des Sciences des Arts et des Lettres.

Depuis 1994, elle est membre du comité d’honneur à la Société des Arts Francophones.

Ses œuvres figurent dans plusieurs collections particulières et publiques majeures, au Maroc et à l’étranger.

En 2012, Ahlam Lemseffer fonde le MAC à Briech-Asilah qui est aujourd’hui structure culturelle incontournable du milieu de l’art contemporain marocain.